Acontinuación seguiremos nuestro viaje adentranonos hacia la historia de este instrumento maravilloso, wikipedia como siempre nos hara el favor de explicarnos paso a paso,
Antecesores
La cítara es el antecesor más antiguo del piano y data de la Edad del Bronce.
Al igual que muchas otras invenciones,
el piano fue fabricado a partir de otros instrumentos anteriores. El
instrumento musical de cuerda más antiguo que inicia la línea evolutiva
del piano es la cítara, un instrumento originario de África y del sudeste de Asia que se remonta a la Edad del Bronce (alrededor del año 3000 a. C.). La cítara era un conjunto de cuerdas tensas dispuestas sobre una tabla que se hacían vibrar mediante los dedos, las uñas o algún otro objeto punzante.
El monocordio
fue un instrumento posterior a la cítara, pero tenía leves variaciones
respecto a ésta. Estaba construido con una única cuerda mucho más larga
que las cuerdas que se empleaban en la cítara, que vibraba sobre una
pequeña caja de resonancia de madera. Este instrumento fue utilizado por varios matemáticos a lo largo de la historia para realizar sus estudios, como el griego Pitágoras, que realizó sus estudios sobre las relaciones entre los intervalos musicales, y Euclides, que basó la geometría euclidiana en las divisiones de este instrumento.
Más tarde se inventó el salterio, un instrumento construido sobre los principios de la cítara pero con una forma trapezoidal
en función de las distintas longitudes de sus cuerdas. La tabla
trapezoidal del salterio, mucho más tarde, dio paso al diseño de los
primeros clavecines. Se pretendía encontrar algún tipo de mecanismo que hiciera que las cuerdas no estuvieran en contacto con los dedos.
Se hicieron bastantes experimentos, y uno de ellos fue el clavicordio, un instrumento que vibraba mediante un pequeño clavo
o una aguja metálica que era accionada a través de unas teclas que
hacían mover la aguja o clavo para que vibrara la cuerda. Después de la
creación del clavicordio nació el clave, diferenciado del clavicordio
porque para hacer vibrar las cuerdas utilizaba un plectro o la punta de las plumas de las aves.
Los primeros instrumentos de cuerda percutida fueron los dulcémeles que procedían del santur, un instrumento musical tradicional persa. Durante la Edad Media, hubo varios intentos para crear instrumentos de teclado con cuerdas percutidas. El primero de ellos fue la zanfona, que tiene origen incierto. En el siglo XVII,
los mecanismos de instrumentos de teclado como el clavicordio y el
clavecín eran bien conocidos. En un clavicordio las cuerdas son
golpeadas por las tangentes, mientras que en un clavecín son
presionadas por plumas de ganso. Siglos de trabajo sobre el mecanismo
del clave, en particular, han mostrado los medios más eficaces para
construir la caja de resonancia, el puente y el teclado.
Primeros pianos
La invención del piano se acredita a Bartolomeo Cristofori.
La invención del piano moderno se acredita a Bartolomeo Cristofori, de Padua, perteneciente por aquel entonces a la República de Venecia (Italia), que fue contratado por el príncipe Fernando II de Médici
como conservador de instrumentos. Fue un experto fabricante de
clavicémbalos y fue así como pudo familiarizarse con las técnicas de
fabricación de instrumentos de cuerda con teclado. No se sabe con
exactitud la fecha en la que Cristofori construyó el primer piano pero
en un inventario hecho por sus mecenas, la familia Médici, se indica la existencia de un piano en el año 1700.
Como instrumento de cuerda con teclado, el piano es similar al
clavicordio, desde el punto de vista organológico, y al clavecín, en
términos estético-musicales. Estos tres instrumentos se diferencian en
sus mecanismos de producción del sonido. En un clavecín, las cuerdas
son pulsadas por plectros.
En un clavicordio, las cuerdas son percutidas por pequeñas púas de
metal (tangentes) que continúan en contacto con la cuerda hasta que se
deja de presionar la tecla.
En un piano, las teclas son percutidas por
macillos, que rebotan inmediatamente dejando a la cuerda vibrar
libremente.
El gran éxito de Cristofori fue hallar la solución, sin ejemplos
previos, al problema fundamental mecánico del diseño del piano: el
macillo de madera cubierto de cuero
debía golpear la cuerda, pero no permanecer en contacto con ella porque
amortiguaba el sonido, como ocurría con las tangentes que se mantenían
en contacto con las cuerdas del clavicordio.
Por otra parte, el macillo
debía volver a su posición de descanso sin rebotar violentamente y, a
ser posible, debía permitir repetir una nota rápidamente. El mecanismo de percusión
de Cristofori sirvió como modelo para los numerosos enfoques diferentes
para las acciones de piano posteriores. Si bien los primeros
instrumentos de Cristofori se hicieron con cuerdas delgadas y fueron
mucho más silenciosos que el piano moderno, en comparación con el
clavicordio (el único instrumento de teclado anterior capaz de
controlar mínimamente los matices dinámicos a través del teclado)
fueron considerablemente más fuertes y podían mantener mejor la
potencia del sonido.
El piano no tenía un sonido estridente y metálico como el
clavicordio o el clave, sino que era un sonido mucho más suave y
sostenido. Además, los macillos estaban dotados de un sistema de escape
mediante el cual era posible variar tanto el volumen como el tono
del sonido.
Con él se incrementaba notablemente la capacidad expresiva
musical del instrumento, ya que además de producir un determinado
sonido siempre al mismo volumen y tono, como ocurría con los
instrumentos antecesores, era posible producir sonidos con más o menos
volumen que otros y producir una muy ligera variación tonal. Todo esto
dependía de la forma de ejecutar el teclado del piano: con movimientos
rápidos y bruscos de las teclas se producían sonidos de gran volumen y
brillantes; y con movimientos lentos y apaciguados se generaban sonidos
de menor volumen y con un tono más dulce.
Cristofori lo llamó gravicembalo col piano e forte. Este nombre hacía referencia a la capacidad del instrumento de producir sonidos con diferentes intensidades,
dependiendo de la presión ejercida sobre las teclas: si apretabas
fuerte el sonido era mayor y si apretabas más suavemente el sonido era
menor; de aquí viene el nombre que le puso primariamente, pianoforte (derivado del italiano: piano: suave y forte:
fuerte). Cristofori construyó cerca de una veintena de pianos a lo
largo de su vida, de los que sólo se conservan tres, el más antiguo de
los cuales se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York y data de 1720.
Réplica de un pianoforte1804vienés Anton Walter. elaborada por Paul McNulty siguiendo la construcción de uno similar fabricado en por el
El nuevo instrumento construido por Cristofori se mantuvo relativamente desconocido hasta que el escritorFrancesco Scipione escribió un entusiasta artículo sobre el piano en 1711, incluyendo un diagrama
de su mecanismo. Este artículo fue distribuido ampliamente y la mayor
parte de la siguiente generación de fabricantes de pianos inició su
trabajo debido a su lectura. Uno de estos fabricantes fue Gottfried Silbermann, más conocido como fabricante de órganos, que tenía su taller en Freiberg (Sajonia, Alemania).
Los pianos de Silbermann son prácticamente copias directas del piano
inventado por Cristofori pero con una importante adición: Silbermann
inventó el precursor del pedal de resonancia moderno, que elevaba todos los apagadores de las cuerdas a la vez. italiano
Hacia 1726 Cristofori introdujo en sus pianos el sistema una corda
que daba al intérprete la posibilidad, mediante un comando especial, de
desplazar el mecanismo de tal modo que cada macillo golpeara sobre una
cantidad de cuerdas menor de lo habitual para lograr un sonido muy
suave. Este mecanismo se sigue manteniendo en los pianos modernos
actuales y el una corda permite que el macillo del piano golpee
sobre una única cuerda de cada grupo. Las primeras composiciones
específicas para pianos aparecieron alrededor de 1732, entre las que destacan las 12 sonatasLodovico Giustini tituladas Sonate da cimbalo di piano e forte detto volgarmente di martelletti. para piano de
Silbermann mostró a Johann Sebastian Bach uno de sus primeros instrumentos en la década de 1730, pero a Bach no le gustaba ese instrumento, alegando que las octavas superiores eran demasiado suaves para permitir un completo registro dinámico, lo que le granjeó cierta hostilidad con Silbermann. Al parecer las críticas fueron atendidas y en 1747 Bach dio su aprobación al instrumento e incluso actuó como agente en la venta de pianos fabricados por Silbermann.
Desde el taller de Gottfried Silbermann se desarrollaron las famosas
escuelas de fabricación de pianos: la «Escuela inglesa» que surgió a
partir de dos discípulos de Silbermann, llamados Johannes Zumpe y Americus Backers, que emigraron a Londres,
donde desarrollaron un piano que poseía el mismo mecanismo que el de
Cristofori aunque con notables modificaciones, que más tarde sería
denominado «mecanismo inglés»; y la «Escuela alemana», surgida a partir
de otro discípulo de Silbermann llamado Johann Andreas Stein, que realizó otras modificaciones al mecanismo original de un diseñador llamado Schroter, denominado «mecanismo alemán o vienés
Evolución y desarrollo
Siglo XVIII: Primeros fabricantes de pianos
Un piano Érard, con caja de resonancia de palisandro.
Desde los primeros pianos del italiano Cristofori hasta los pianos
actuales, muchas mejoras y avances se han producido, pero el concepto y
la idea fundamental para su construcción continúan siendo las mismas.
Se han optimizado materiales para lograr una mejor calidad de sonido,
se ha aumentado paulatinamente el número de notas para ampliar la
capacidad musical del instrumento y se ha mejorado el diseño para
lograr un mejor rendimiento. Sin embargo, el concepto fundamental de pianoforte como un instrumento capaz de lograr sonidos fuertes y suaves sigue siendo el mismo.
El apogeo de la fabricación de pianos tuvo lugar a finales del siglo XVIII en la escuela de Viena, que incluyó a fabricantes como el mencionado Johann Andreas Stein (que trabajó en Augsburgo, Alemania) y los vieneses Nannette Streicher (hija de Stein) y Anton Walter. Los pianos de estilo vienés fueron construidos con marcos de madera, dos cuerdas para cada nota
y macillos cubiertos de cuero. Algunos de estos pianos de estilo vienés
tenían un colorido opuesto al de los pianos modernos: las teclas
naturales eran negras y las accidentales blancas. Wolfgang Amadeus Mozart compuso sus conciertos y sonatas para ellos e incluso se han fabricado réplicas para su uso en interpretaciones de música antigua.
Los pianos de de la época de Mozart tenían un tono más suave y claro
que los pianos modernos o los pianos ingleses, con potencia mantenida.
El término pianoforte se utiliza a menudo para distinguir los pianos del siglo XVIII de los pianos posteriores.
Entre los años 1760 a 1830
la fabricación de pianos tuvo una gran expansión y sufrió grandes
modificaciones. Esta revolución fue una respuesta a la preferencia de
los compositores
y pianistas por tener un piano con un sonido más poderoso y sostenido,
y fue posible gracias a los avances tecnológicos surgidos a partir de
la Revolución industrial, que estaba comenzando. Algunos de estos avances fueron la alta calidad del acero de las cuerdas, llamado específicamente cuerda de piano, así como la precisión de la fundición para la producción de hierro fundido.
Con el tiempo, la gama tonal del piano también fue en aumento y pasó de las cinco octavas de la época de Mozart a las siete octavas y un tercio o más de los pianos modernos.
En 1762 Henry Walsh realizó el primer concierto para piano en toda la historia en Dublín (Irlanda). El diseñador de pianos francés Sébastien Érard construyó en 1776 el piano rectangular, que era una variante especial del piano de cola. En 1773 se publicaron las sonatas para piano Opus 2 de Muzio Clementi, que pretendían utilizar al máximo los recursos del piano. En 1775 se construye en Filadelfia el primer piano en Estados Unidos y en 1795 se fabrica el primer piano vertical en Londres, diseñado por William Stodart.Pascal Taskin también fabricó algunos pianos entre los años 1786 y 1790.
Los primeros avances tecnológicos fueron en gran medida gracias a la empresa inglesa Broadwood,
que ya tenía reputación por el tono esplendoroso y poderoso de sus
clavecines. Broadwood construyó instrumentos que fueron progresivamente
más grandes, más fuertes y más vigorosamente construidos. Enviaron dos
pianos a Joseph Haydn y Ludwig van Beethovenoctavas: cinco octavas y una quinta en el año 1790, seis octavas de 1810 (Beethoven utilizó las notas adicionadas en sus obras posteriores), y siete octavas de 1820.
Los fabricantes vieneses también siguieron estas tendencias, sin
embargo las dos escuelas de piano utilizaron diferentes acciones: el
mecanismo de Broadwood era más robusto y el de los instrumentos de
Viena era más sensible. y fue la primera empresa de fabricación de pianos con una gama de más de cinco.
Siglo XIX: impulso por la Revolución industrial
En 1808, Sébastien Érard patentó
un mecanismo de simple repetición e incorporó la grapa, una pieza que
permitía a las cuerdas permanecer en su lugar exacto después de ser
golpeadas por los macillos. Dos años más tarde, en 1810, diseñó el mecanismo de pedales del piano moderno. En la década de 1820, la fábrica de pianos de Érard en París pasó a ser el centro de la innovación en lo referente al mecanismo del piano.
En 1822
introdujo su mecanismo de doble repetición, que permitía una gran
velocidad de repetición al pulsar las teclas del piano, incluso si la
tecla aún no había alcanzado su máxima posición vertical, y facilitaba
una rápida ejecución.
Cuando esta invención se hizo pública, en su
forma revisada por Henri Herz,
el mecanismo de doble repetición se convirtió paulatinamente en un
elemento estándar en el mecanismo de los pianos de cola y forma parte
de todos los pianos de cola modernos.
Una de las principales innovaciones técnicas que ayudaron a crear el sonido del piano moderno es la utilización del hierro fundido. También el llamado «marco», el hierro fundido que se asienta sobre la caja de resonancia, que sirve como principal baluarte contra la fuerza ejercida por la tensión
de las cuerdas.
El aumento de la integridad estructural del hierro
fundido permitió el uso de cuerdas más gruesas, más tensas y más
numerosas, en lugar de las cuerdas de latón que se empleaban hasta entonces, que eran más blandas y no soportaban tensiones tan altas. Posteriormente se usaron cuerdas de acero,
más fuertes que las de hierro y que permitían una tensión aún mayor. En
un piano de cola moderno el total de la tensión de las cuerdas puede
aproximarse a las 20 toneladas-fuerza.
La pieza simple de hierro fundido fue patentada en 1825 en BostonAlpheus Babcock, combinando el enganche del marco (creado en 1821 y reclamado por Broadwood en nombre de Samuel Hervé) y la barra de resistencia (creada por Thom y Allen en 1820, pero también reclamada por Broadwood y Érard). Más tarde, Babcock para Chickering & Mackays, empresa que patentó el primer marco de hierro de los pianos de cola en 1843. Los fabricantes europeos de pianos prefirieron los marcos de hierro fundido hasta que principios del siglo XX, fecha en que el sistema estadounidense fue completamente adoptado.
Macillos de fieltro de un piano vertical moderno.
Se incluyeron otras innovaciones en el mecanismo del piano, como el uso de fieltro en los macillos en lugar de recubrirlos con cuero. Estos macillos de fieltro fueron empleados por primera vez por Jean-Henri Pape en 1826.
Al ser un material más consistente, permitía mayores registros
dinámicos como el peso del macillo y el aumento de la tensión de las
cuerdas.
Otras importantes innovaciones técnicas de esta época incluyen
cambios en la forma de fabricación de las cuerdas, como el uso de un
«coro» de tres cuerdas en lugar de dos para todas las cuerdas, excepto
para las de las notas inferiores; y el uso de diferentes métodos de
tensando. Con el método de tensado over string, también llamado cross-stringing, las cuerdas se colocan en manera superpuesta inclinada verticalmente, con puentes de dos alturas en la caja de resonancia
en lugar de sólo uno. Esto permite cuerdas mayores, pero no
necesariamente más largas, para encajar dentro del piano. El tensando over string fue inventado por Jean-Henri Pape durante la década de 1820 y fue patentado para su uso en los pianos de cola en Estados Unidos por Henry Steinway Jr. en 1859.
A lo largo del siglo XIX se fundaron numerosas compañías de fabricación de pianos. En 1828, Ignaz Bösendorfer fundó la suya en Austria y el 1853 supuso un hito en lo que se refiere a formación de fábricas de pianos, ya que el alemán Heinrich Engelhard Steinweg emigró a Estados Unidos y fundó en Nueva York la fábrica Steinway & Sons; Julius Blüthner fundó su compañía en Leipzig y Carl Bechstein hizo lo propio en Berlín.
En 1863 Steinway & Sons diseñaron y fabricaron el piano vertical moderno con cuerdas cruzadas y una única tabla armónica y en 1874 perfeccionaron el pedal tonal o sostenuto, inventado en 1844 por Jean Louis Boisselot, que permitía un registro más amplio. Ese mismo año, Julius Blüthner patentó el sistema aliquot,
que incorporaba a cada grupo de tres cuerdas una cuarta adicional más
elevada para incrementar la resonancia de las mismas y que no era
percutida por el macillo, sino que vibraba en simpatía. En 1880 Steinway & Sons abrió una sucursal en Hamburgo, lo que incrementó la competencia en el mercado europeo con Bechstein y Blüthner.
A partir de ese año ya se puede hablar de piano moderno, tal como se
lo conoce hoy en día, aunque se han realizado modificaciones
posteriores al diseño del piano pero sin demasiada trascendencia.
Tipos de pianos
Piano de cola
Un piano de cola de la casa Bösendorfer.
Un piano de cola es un tipo de piano en el que las cuerdas y la caja
de resonancia se encuentran en posición horizontal. Los pianos de cola
tienen una tapa superior que se puede abrir, de manera que los sonidos
producidos por las cuerdas salen al exterior sin barreras de ningún
tipo.
Su tamaño puede variar dependiendo del fabricante y tipo de piano de
cola fabricado, pero suelen oscilar entre los siguientes valores:
- piano de cola mignon: hasta 130 cm de longitud.
- piano de un cuarto de cola. De 131 hasta 189 cm de longitud.
- piano de media cola. De 190 hasta 225 cm de longitud.
- piano de tres cuartos de cola. De 226 hasta 255 cm de longitud.
- piano de gran cola. Superiores a 256 cm de longitud.
Todas las fábricas de pianos producen pianos excepcionales artcase.
Algunos sólo poseen decoraciones o modificaciones espectaculares de los
pianos ordinarios como pies trabajados, marquetería, pintura o
revestimiento. Otros son modificaciones radicales como el Pegasus de Schimmel o M. Liminal diseñado por NYT Line y fabricado por Fazioli.
Piano vertical o piano de pared
Piano vertical o de pared.
El piano vertical se caracteriza por tener las cuerdas, los macillos
y la caja de resonancia en posición vertical, perpendicular al piso.
De modo general se pueden dividir entre cuatro tipos distintos dependiendo de su tamaño:
- Piano vertical espineta:
el más pequeño en su categoría con un sonido característico, piano de
máquina indirecta (quiere decir que el mecanismo se encuentra por
debajo del teclado). Su altura es menor a 98 cm.
- Piano vertical consola: son pianos de máquina directa, es decir, el
mecanismo está al mismo nivel del teclado. De 98 a 109 cm de altura.
- Piano vertical de estudio: son pianos de máquina directa, con el
mecanismo un poco más elevado del nivel del teclado. Esta
característica proporciona al intérprete una mayor seguridad. De 110 a
139 cm de altura.
- Piano vertical antiguo: son pianos con una gran capacidad acústica,
de máquina directa aún más elevada que el piano de estudio. Su medida
de altura es muy variable dependiendo del fabricante pero suele tener
más de 140 cm de altura.
Piano electrónico
El piano electrónico es una invención del siglo XX. Tiene la misma apariencia del piano. La diferencia es que el sonido proviene de medios de síntesis
electrónica. Además, puede reproducir el sonido de diferentes
instrumentos y muchas veces incorpora canciones y ritmos
predeterminados.
Los ritmos que vienen incorporados sirven para tocar los acordes
con una sola tecla en diferentes estilos. Algunas tienen todo un
sistema educativo, como el Yamaha Education System, el sistema de
aprendizaje de Casio o el DoReMi de Roland. Con estos sistemas
educativos se pueden aprender canciones, porque el sistema indica la
tecla a presionar. Se pueden practicar fragmentos de canción,
inclusive. Algunos modelos traen incorporado un metrónomo para poder sincronizar exactamente con la velocidad de la melodía.
El intérprete puede guardar canciones tocadas por él mismo, para
volver a escucharlas después. También puede grabar la melodía para cada
mano independientemente. Hay variedades que son sensibles al tacto, es
decir, detectan la fuerza con que son presionadas las teclas, como en
un piano real y actúan en consecuencia, reproduciendo el sonido con
mayor o menor fuerza, según el caso.
Existen teclados electrónicos que cuentan con una pantalla LCD en la que se puede apreciar el pentagrama,
la nota presionada (en un teclado dibujado) y las canciones. Tienen
accesorios opcionales como el pedal y el cable para conectarse con un
ordenador y se pueden transferir canciones a través del mismo. También
se pueden enviar canciones desde el teclado hacia el computador por
medio de un software de autoría de MIDI (MIDI authoring). Otros accesorios son el atril para colocarla y la base para las partituras.
La calidad de su sonido no es la misma de un piano normal y la
fuerza con que se tocan las teclas también es diferente, aunque su
precio es mucho menor.
Un piano vertical de juguete. Este tipo de piano fue un invento de Albert Schoenhut.
Otros tipos
Un piano con pedales vertical.
El piano de juguete fue inventado por Albert Schoenhut en 1872 y comenzó a ser fabricado a finales del siglo XIX. Es utilizado en ciertas obras de la música contemporánea, como por ejemplo en las interpretaciones de las obras de John Cage por Margaret Leng Tan, así como por ciertos artistas populares tales como Pascal Comelade y Pascal Ayerbe.
En 1863, Henri Fourneaux inventó la pianola
que es un piano que reproduce de forma automática, usando dispositivos
neumáticos, las notas escritas en un rollo perforado sin necesidad de
un pianista. Un equivalente moderno a la pianola es el sistema Yamaha
Disklavier que usa solenoides y archivos MIDI en lugar de los dispositivos neumáticos y los rollos perforados. El piano silencioso, que permite que un piano normal sea usado como un instrumento digital, es un invento reciente pero se ha hecho muy popular.
Irving Berlin utilizó para componer con más facilidad un instrumento llamado piano transpositor, creado en 1801 por Edward Ryley. Este instrumento podía cambiar de tonalidad al accionar una palanca situada debajo del teclado. Uno de los pianos utilizados por Berlin se encuentra en el Smithsonian Museum.
En la mayor parte de su carrera, Berlin sólo supo utilizar las teclas
negras del piano pero con este piano modificado no tuvo limitaciones
con la tecla de fa♯.
El piano preparado es un invento relativamente reciente, que es usado en la música contemporánea.
Este instrumento es un piano de cola normal al se le han colocado
objetos en su interior para alterar su sonido o que ha recibido algún
tipo de cambio en su mecanismo. Las partituras de las obras para pianos preparados a menudo instruyen al pianista sobre cómo insertar pequeñas piezas de goma o metal, como tornillos o arandelas,
en medio las cuerdas. Estos elementos añadidos reducen el sonido de las
cuerdas o crean sonidos poco corrientes debido a la alteración de la
vibración de las mismas.
El piano jirafa o piramidal es un piano de cola, creado en 1735,
con la caja de resonancia en posición vertical hacia arriba,
perpendicular al teclado. Su nombre le viene de la similitud que guarda
su decoración, compuesta por una voluta formada por la intersección del
lado curvo con el lado recto, con una jirafa.
El objetivo de colocar la caja en forma vertical era reducir el volumen
del mueble del instrumento pero tenían el inconveniente de ser
demasiado altos. Este problema se solucionó bajando la caja hasta el
suelo y cruzando las cuerdas para que ocuparan menos espacio.
El piano rectangular
es un tipo de piano que tiene las cuerdas horizontales dispuestas en
diagonal a través de la caja de resonancia rectangular por encima de
los martillos y con el teclado fijado en el lado largo.
El piano con pedales es un tipo de piano que incluye un pedalier, habilitando el registro grave para ser interpretado con los pies al igual que un órgano común.
Materiales de construcción
Un piano moderno está construido con diferentes clases de madera. Para el armazón sobre el que se asientan las cuerdas se usa madera de roble, abeto, haya o nogal. Para el mecanismo de percusión, la madera utilizada suele ser de peral, cormal, carpino o arce. El teclado se fabrica con madera de tilo y para el chapado exterior del instrumento se emplean maderas exóticas.
El marco que constituye el esqueleto del piano se fabrica con acero fundido de una sola pieza y los bordes con hierro forjado o acero. Las cuerdas están construidas con alambre de acero entorchado o envuelto en un alambre de cobre enroscado para los bordones. Además se emplea ébano para recubrir las teclas negras y marfil para las blancas y piel de búfalo y paño para el mecanismo. Los macillos están fabricados con fieltro.
Afinación del piano
La afinación del piano consiste en realizar la modificación de la tensión de las cuerdas de manera tal que éstas vibren en las frecuencias
adecuadas. Así se logra que la música resultante sea agradable al oído
según los cánones de la música occidental. Esta tarea es realizada por
personas especializadas llamadas «técnicos afinadores de pianos».
El proceso de afinación consiste en que el afinador, valiéndose de un diapasón, afina las tres cuerdas que corresponden al la3 a una frecuencia de 440 Hz (La 440) . Una vez que tiene esta primera tecla afinada, se basa en la serie armónica (reformada) para afinar el resto.
El batimiento
Desde la época de Pitágoras hasta el siglo XVII, los músicos afinaban sus instrumentos ayudándose con la serie armónica. Esto hacía que sólo se pudiera tocar en la tonalidad básica que se había utilizado para afinar el instrumento (probablemente no había una tonalidad fija, ya que no se utilizaban diapasones para unificar la afinación).
En el siglo XVIII los fabricantes de clavecines aplicaron una manera de afinar los teclados, similar a la desarrollada por Bartolomé Ramos de Pareja para afinar instrumentos con trastes,
que permitía tocar obras modulando a cualquier tonalidad sin tener que
reajustar la afinación.
La llamaron «buen temperamento». Aprovechando
esta nueva característica, Bach compuso una obra que mostraba un preludio y fuga por cada una de las 24 tonalidades posibles llamada El clave bien temperado.
Desde principios del siglo XX los pianos, como todos los instrumentos de afinación variable, se afinan con el temperamento igual. El afinador sabe cuánta «desafinación» (cuánto batimiento o golpeteo rítmico generado por la falta de unísono) tiene que agregarle a cada tono para que el piano quede afinado con temperamento igual.
El piano en la música clásica [editar]
Muchas obras, célebres en su versión para
orquesta, han sido escritas inicialmente para el piano. Algunos ejemplos son las
Danzas húngaras de
Johannes Brahms,
Cuadros de una exposición de
Modest Músorgski,
Gimnopedias de
Erik Satie o
Canción de primavera de
Felix Mendelssohn-Bartholdy.
A la inversa, muchas obras del repertorio clásico han sido
transcritas para el piano como, por ejemplo, las transcripciones que
realizó
Franz Liszt de las sinfonías de
Ludwig van Beethoven. El piano es muy utilizado en
música de acompañamiento de la voz en
coros,
lieder y melodías. También es utilizado en
música de cámara, a dúo con otro instrumento, que suele ser el
violín o la
flauta, en
tríos,
cuartetos o quintetos con piano.
El piano es el instrumento pedagógico por excelencia porque es un
instrumento polifónico, polirítmico y de simple utilización,
relativamente barato y bastante sonoro. Por ello es utilizado en la
mayoría de las clases de
solfeo de las escuelas de música y los
conservatorios como el instrumento principal del pedagogo.
Formas musicales en la música clásica
Las 12 Sonate da cimbalo di piano e forte detto volgarmente di martelletti compuestas por Lodovico Giustini en 1732 fueron las primeras obras específicas para piano.
Las formas musicales para el piano han variado en cada época. En el período barroco,
cuyo repertorio inicialmente estaba previsto para clavecín u otros
instrumentos en teclado, principalmente se compusieron obras con formas
nacidas de bailes y formas contrapuntísticas como la partita, la suite, la fuga, la tocata, el pasacalle, la sonata, la gavota o las variaciones. En la época clásica, las formas predominantes fueron la sonata, la fantasía, la bagatela y otras formas aristocráticas.
En la música romántica, además de la sonata, aparecen formas más libres y de orígenes diversos como el nocturno, el impromptu, el scherzo, la balada, la fantasía, la mazurca, el vals, la rapsodia o el preludio. Esta época verá también el nacimiento del concierto para piano en su forma moderna, generalmente una pieza que necesita un dominio completo del instrumento.
Compositores destacados de música clásica
Frédéric Chopin fue un destacado pianista y compositor romántico de obras para piano.
Las primeras composiciones específicas para piano aparecieron en torno al 1732, entre las que destacan las 12 sonatas para piano de Lodovico Giustini tituladas Sonate da cimbalo di piano e forte detto volgarmente di martelletti.
En el período barroco hubo muchos compositores destacados que compusieron obras y conciertos
para instrumentos de teclado.
Por ello no se les puede considerar
compositores para piano pero muchas de sus obras han sido interpretadas
posteriormente con dicho instrumento. Entre ellos destacan los alemanes Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel, los franceses Jean-Philippe Rameau y François Couperin, los italianos Domenico Scarlatti y Tomaso Albinoni y el español padre Antonio Soler.
En el clasicismo destacan las obras para piano de compositores como Wolfgang Amadeus Mozart, Joseph Haydn, Ludwig van Beethoven, Muzio Clementi y otros menos conocidos como Friedrich Kuhlau, Jan Ladislav Dussek y Anton Diabelli. En dicho período también existieron otros compositores que crearon gran cantidad de sonatinas, rondós y variaciones, en ocasiones con fines didácticos.
El piano fue un instrumento representativo del romanticismo musical, no sólo en el ámbito musical sino también en el técnico ya que gracias a los avances logrados gracias a la Revolución industrial su mecanismo fue mejorado sustancialmente.
De la misma forma que el capitalismo influyó en el modo de organización jerárquico de las cadenas de producción, el piano se utilizó como herramienta para conseguir la expresión musical y como ayuda a la composición.En dicho período hubo importantes compositores como Felix Mendelssohn-Bartholdy, Frédéric Chopin, Franz Liszt, Robert Schumann, Franz Schubert, Johannes Brahms, Edvard Grieg e Isaac Albéniz que realizaron obras para piano. Del romanticismo tardíoAleksandr Skriabin, Sergéi Rajmáninov y Gabriel Fauré.
Son pocos los compositores para piano que puedan ser considerados impresionistas. Destaca principalmente Claude Debussy que compuso una amplia variedad de obras para piano y para orquesta y grupos de cámara, además de 24 preludios, varias suites, estudios y otras obras.
La sinfonía o la sonata
para piano fueron composiciones muy usadas por los compositores
románticos y post-románticos, pero Debussy nunca compuso ninguna obra
de este tipo. Otro compositor francés que realizó obras de este estilo fue Maurice Ravel, aunque es considerado un compositor neoclásico
más que impresionista. Compuso un elevado número de obras para piano
que orquestó en su mayoría y también transcribió para piano obras
propias ideadas para orquesta.
En la música contemporánea compositores como Béla Bartók, Ígor Stravinski, Sergéi Prokófiev, Aaron Copland, Dmitri Shostakóvich, Arnold Schönberg y Dmitri Kabalevski, entre otros, compusieron una amplia literatura pianística.
El piano en otros géneros musicales
El piano es uno de los instrumentos más utilizado en música clásica occidental. Muchos compositores también son pianistas y utilizan el piano como instrumento de composición. Los directores de orquesta tienen a menudo formación como pianistas.
El piano es empleado también normalmente en otros géneros musicales, tales como el jazz, el blues o el ragtime, así como el tango y la salsa.
También se emplea el piano, aunque en menor medida, en el rock and roll, usado por Jerry Lee Lewis, por ejemplo; el rock, con Queen, Pink Floyd y Lynyrd Skynyrd, entre otros; el blues, con figuras como The Blues Brothers; el rock en español con intérpretes como Charly García y Fito Páez, y en ciertas corrientes pop, con grupos como ABBA. Sin embargo y cada vez más a menudo es reemplazado por el sintetizador o el teclado electrónico. En el siglo XXI, ciertos grupos como Keane, han desterrado el uso de la guitarra en provecho del piano en el género musical conocido como piano rock.
Pianistas destacados
Franz Liszt al piano en 1886.
Un pianista profesional puede actuar en solitario, tocar con una orquesta u otra agrupación musical o tocar en compañía de cantantes u otros instrumentos. En la música occidental
existen muchos estilos de música donde se toca el piano.
Consecuentemente, los pianistas tienen una amplia variedad de formas y
estilos a elegir, incluyendo jazz, música clásica y todo tipo de música popular.
Pianistas de música clásica
Los pianistas clásicos solían comenzar su carrera musical tocando el piano desde edades muy tempranas, incluso a los tres años. En los siglos XVIII y XIX, los compositores solían interpretar sus propias obras, como es el caso de Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Frédéric Chopin, Franz Liszt, Felix Mendelssohn-Bartholdy, Carl Maria von Weber, Charles-Valentin Alkan y Johannes Brahms entre otros. La pianista alemana Clara SchumannRobert Schumann.
El ruso Antón Rubinstein destacó a finales del siglo XIX como compositor e intérprete, al igual que su compatriota Aleksandr Skriabin. A principios del siglo XX muchos pianistas realizaron interpretaciones por Europa Occidental y Estados Unidos, entre los que destacan los polacosIgnacy Jan Paderewski, Józef Hofmann y Arthur Rubinstein, los españoles Isaac Albéniz, Enrique Granados y Manuel de Falla, así como el italiano Ferruccio Busoni o el suizo Alfred Cortot.
En el que período entre la Primera y Segunda Guerra Mundial destacaron por encima del resto el compositor e intérprete ruso Sergéi Rajmáninov, el austriaco Artur Schnabel, la inglesa Myra Hess, los alemanes Walter Gieseking y Wilhelm Kempff, los españoles José Cubiles, Ricardo Viñes y la brasileña Guiomar Novaes. En 1945, pasada la Segunda Guerra Mundial, aparecieron pianistas soviéticos como Sergéi Prokófiev y Dmitri Shostakóvich, Emil Gilels y Sviatoslav Richter.
El chileno Claudio Arrau destacó por ser maestro en un amplio repertorio. Junto a ellos sobresalieron el intérprete y pedagogo checo Rudolf Serkin, el virtuosoVladimir Horowitz y los españoles Rafael Orozco y Alicia de Larrocha.
En dicha época además destacaron el anglo-austriaco Alfred Brendel, protagonista varias controversias estéticas por su enfoque musicológico, el canadiense Glenn Gould, que grabó la obra de Bach, los estadounidenses Van Cliburn y Murray Perahia, el soviético Vladímir Áshkenazi, el israelí Daniel Barenboim y la argentina Martha Argerich. A finales del siglo XX y comienzos del XXI,
la calidad técnica ha ido en aumento, lo que ha propiciado la
proliferación de concursos internacionales que han servido como
plataforma a artistas jóvenes.
Pianistas de jazz
Art Tatum en un fotograma de la película The Fabulous Dorseys de 1947.
El ragtime, estilo musical de finales del siglo XIX, es considerado el precursor del jazz. La popularización del ragtime ocurrió entre los años 1895 a 1915 aproximadamente y los pianistas y compositores clásicos más destacados de dicha época fueron Scott Joplin, James Scott y Joseph Lamb. Otros músicos, como Jelly Roll Morton y James P. Johnson,
sirvieron de transición entre el ragtime y el jazz.
El mencionado James
P. Johnson fue el primer pianista importante del barrio de Harlem y destacó por el uso del piano como instrumento de acompañamiento en el jazz. El barrio de Harlem, situado en Manhattan, fue durante la década de 1920 el centro del florecimiento de la cultura negra, conocido como Renacimiento de Harlem, y un lugar de confluencia de numerosos pianistas de jazz, los cuales tocaban según el estilo denominado stride piano.
Dicho estilo consistía en alternar permanentemente una nota tocada en
el bajo en los tiempos nones y un acorde tocado en los pares.
En esa época también destacó Earl Hines, por su novedosa aportación de ritmos y acentos y la influencia que ejerció en los pianistas coetáneos,y Fats Waller. En la década de 1930, dentro del estilo swing, se hizo famoso Art Tatum por su virtuosismo y la creatividad de sus interpretaciones.
Muchos le consideraron el «mejor pianista de jazz de la historia». En esa época también destacó Count Basie, que incluyó en el jazz elementos del swing y el blues, y Fletcher Henderson. El estilo bebop del piano, surge en la década de los 40 por invención de Thelonious Monk y otros músicos. En dicho estilo destacó Bud Powell como una de las figuras principales y creador de escuela en el jazz moderno.
Bill Evans perteneció al género hard bop
y revolucionó el género del trío de piano en el jazz tal y como se
conocía hasta entonces, ya que anteriormente el piano dominaba y
dirigía la música y el contrabajo y la batería
marcaban el ritmo y él cambió esta forma de concebir la música para dar
igual importancia a los tres instrumentos del trío, pudiendo desempeñar
el papel de director del conjunto cualquiera de ellos.
En esa época, Milt Buckner incorporó a la música de jazz para piano gran cantidad de elementos de la música clásica europea desde Johann Sebastian Bach hasta Darius Milhaud. En el estilo jazz rock, que surgió a comienzos de los años 1970, destaca Chick Corea, líder del grupo Return to Forever. McCoy Tyner es la figura más destacada del mainstream jazz aunque se ha aproximado a una amplia variedad de estilos jazzísticos a lo largo de su carrera como el jazz progresivo, jazz modal y hard bop, entre otros.
Su estilo ha influido a numerosos pianistas, entre los que se incluye la estadounidense Joanne Brackeen.Otros pianistas de jazz destacados son Geri Allen, Ray Charles, Nat King Cole, Duke Ellington, Egberto Gismonti, Herbie Hancock, Ahmad Jamal, Keith Jarrett, Norah Jones, Diana Krall, Tete Montoliu, Oscar Peterson, Enrique Villegas y Michel Petrucciani.
Fabricantes destacados de pianos
Carl Bechstein, fundador de C. Bechstein Pianofortefabrik, fue un destacado fabricante de pianos.
A lo largo del siglo XIX se fundaron numerosas empresas de fabricación de pianos. En 1828, Ignaz Bösendorfer fundó la suya en Austria y el 1853
supuso un hito en lo que se refiere a formación de fábricas de pianos,
ya que es la época de la fundación de las fábricas que actualmente
poseen mayor prestigio: el alemán Heinrich Engelhard Steinweg emigró a Estados Unidos y fundó en Nueva York la fábrica Steinway & Sons; el checo Antonín Petrof fundó en 1864 la fábrica de pianos Petrof, como también, en la misma época, Julius Blüthner y Carl Bechstein hacen lo propio en Leipzig y Berlín respectivamente.
En la actualidad, las compañías de fabricación de pianos más destacadas se encuentran en Estados UnidosSteinway & Sons, Mason & Hamlin, Baldwin y Chickering and Sons entre otros), en Alemania (como Bechstein o Blüthner), en Austria (Bösendorfer), en República Checa (Petrof) y en Japón (Yamaha y Kawai). (
Ante el creciente aumento de los costes de producción, muchos
fabricantes han trasladado la producción de sus modelos de serie
económica a países en los que la mano de obra es más barata, como China o Indonesia. Otros han simplificado el diseño exterior del instrumento y han suprimido prácticamente cualquier adorno.
Otras compañías destacadas son Broadwood, la compañía de fabricación más antigua del mundo y fundada en 1783; las francesas Érard y Pleyel, la italiana Fazioli, las alemanas Perzina o Seiler, las checas Weinbach o Scholze y la coreana Young Chang.
Papel social del piano
El piano en un centro social del siglo XIX (Moritz von Schwind, 1868).
El piano es un instrumento fundamental en la música clásica europea, el jazz y otros géneros musicales occidentales, así como en el cine y la televisión.
Gran número de compositores han sido habilidosos pianistas porque el
teclado del piano ofrece un medio sencillo para la interacción compleja
melódica y armónica. El piano a menudo ha sido una herramienta para la
composición.
La historia social del piano es la historia del papel del instrumento en la sociedad. Desde que se inventó el piano a finales del siglo XVII, su uso se fue generalizando en la sociedad occidental de finales del siglo XVIII y sigue siendo ampliamente interpretado en los siglos XX y comienzos del XXI.
En el siglo XVIII, el piano y la mujer estuvieron muy ligados, hasta el
punto de que se tenía muy en cuenta si la joven tenía estudios de piano
a la hora de formalizar un matrimonio.
El piano siempre fue un
instrumento excesivamente costoso y en sus inicios, sólo la alta burguesía y la aristocracia
podían permitirse comprar uno. Con el paso del tiempo y el incremento
del nivel de vida por parte de algunos sectores de la sociedad, el
piano se convirtió en un instrumento con precio más accesible y en un
elemento fundamental de entretenimiento dentro de los hogares. Su uso
generalizado comenzó a disminuir a partir de la invención de aparatos
mecánicos y electrónicos como la pianola, el fonógrafo y la radio.
Seguiremos con partitura pronto..
Gracias
