martes, 17 de agosto de 2010

Bajo


Bajo eléctrico

Para otros usos de este término, véase Bajo (desambiguación).
Bajo eléctrico
Bajo eléctrico
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El bajo eléctriconota 1 (también llamado sencillamente bajo)nota 2 nota 3 es un instrumento de cuerdas, pulsadas fundamentalmente con los dedos índice, medio y pulgar de la mano derecha, o mediante el empleo de púa. Otras técnicas alternativas son el "slapping", el "popping", el "tapping", o el "thumping".
El bajo eléctrico es similar en apariencia y construcción a la guitarra eléctrica, pero con un cuerpo de mayores dimensiones, un mástil de mayor longitud y escala y, normalmente, cuatro cuerdas afinadas según la afinación estándar del contrabajo,nota 4 o lo que es lo mismo, una octava más grave que las cuatro cuerdas graves de la guitarra (mi, la, re, sol).nota 5 El bajo eléctrico, al igual que el contrabajo, suena una octava más grave de como se representa en notación musical, con el objetivo de evitar un uso excesivo de líneas adicionales en el pentagrama.Como la guitarra eléctrica, el bajo eléctrico necesita ser conectado a un amplificador para emitir sonidos. Desde los años cincuenta, el bajo eléctrico ha reemplazado progresivamente al contrabajo en la música popular como el instrumento de la sección rítmica que se ocupa de las líneas de bajo.1 Aunque éstas varían notablemente en función del estilo de música, el bajista cumple una función similar con independencia del estilo de que se trate: establecer el marco armónico y marcar el tiempo o pulso rítmico.nota 6 El bajo eléctrico se usa como instrumento de acompañamiento o como instrumento solista en estilos de música diversos, incluyendo el rock, elheavy metal, el pop, el blues el jazz, la música latina, el reggae, el funk o el flamenco.

Años treinta

A mediados de la década de los treinta, el inventor y guitarrista Paul Tutmarc, de Seattle (Washington), desarrolló el primer bajo eléctrico de cuerpo macizo de la historia, un instrumento muy similar a los bajos que conocemos hoy en día que había sido diseñado para ser sostenido y ejecutado horizontalmente.2 En 1935, el catálogo de ventas de la compañía de Tutmarc, Audiovox, ofrecía su "violín-bajo electrónico", un instrumento de cuerpo sólido con un mástil de 30 pulgadas y media que disponía de trastes.3
El cambio de forma, acercándolo a una guitarra, hizo al instrumento más fácil de transportar, y la adición de los trastes eliminó los problemas de afinación propios del contrabajo, haciendo del bajo eléctrico un instrumento mucho más fácil de ejecutar que éste último. Sin embargo, el invento de Tutmarc no tuvo demasiado éxito, por lo que su idea no fue retomada hasta principios de los años cincuenta.
Una reedición del Precision bass de1956, muy similar al modelo de 1951, el primer bajo eléctrico comercializado con éxito.

[editar]Los años cincuenta y sesenta

Durante los años cincuenta, Leo Fender, con la ayuda de su empleado George Fullerton, desarrolló el primer bajo eléctrico producido en serie de la historia.4 Su Precision Bass, introducido en 1951 se convertirá en el estándar de la industria y sería infinitamente copiado con posterioridad. El Precision bass (o "P-bass") original disponía de un cuerpo angulado ("slab" o "de tabla") similar al de la guitarra Telecaster y una sola pastilla de bobinado simple, pero en 1957 se modificó su diseño para presentar un cuerpo de contorno redondeado con una pastilla doble de cuatro polos. Esta pastilla "split" (dividida) estaba formada de dos partes similares a las pastillas de las mandolinas que Fender incluía en su catálogo de la época.5 Dado que cada bobina presentaba una polaridad invertida respecto a la otra y que las cabezas de las bobinas estaban también invertidas la una respecto a la otra, las dos bobinas producían un "efecto humbucker" similar al que se obtiene cuando se usan bobinas en paralelo.6
Monk Montgomery fue el primer bajista conocido en usar el nuevo instrumento en su gira con el vibrafonista de jazz Lionel Hampton.7 Otros bajistas pioneros en el uso del nuevo instrumento fueron Roy Johnson, (que reemplazó a Montgomery en la banda de Hampton) o Shifty Henry(bajista de Louis Jordan & His Tympany Five). Bill Black, bajista de Elvis Presley adoptaría el Precision Bass en torno a 1957.8
Rickenbacker 4001.
Tras el lanzamiento de Fender, Gibson presentó en 1953 su modelo EB-1, con forma de violín y pica, seguido de su modelo EB-0, de aspecto más convencional. El EB-0 era, de hecho, muy similar a la Gibson SG, aunque los primeros modelos disponían de un cuerpo "Slab" (sin contornos) que lo asemejaban más a la conocida guitarra Les Paul, de Gibson. 9 Mientras que los bajos de Fender montaban pastillas situadas entre la base del mástil y el puente, muchos de los primeros bajos de Gibson mostraban una sola pastilla de tipo "humbucker" montada directamente bajo la base del mástil. El modelo EB-3, de 1961 contaba además con una pastilla adicional, de tipo humbucker pero de tamaño reducido, situada cerca del puente del instrumento.10 Gibson mostraba cierta tendencia a fabricar instrumentos de dimensiones reducidas y, de hecho, no presentó un bajo de escala estándar (34 pulgadas) hasta 1963, con el lanzamiento de su modelo Thunderbird, que fue, además, el primer bajo de Gibson que utilizaba dos pastillas "humbucker" situadas en una posición más tradicional, entre el puente y la base del mástil.
Otras compañías más pequeñas iniciaron sus actividades durante los años cincuenta: Kay Musical Instruments en 1952, Danelectro en 1956,11 y Rickenbacker o Höfner durante el resto de la década. Pero fue con la explosión del rock, a principios de 1960 cuando numerosas compañías comenzaron a fabricar bajos eléctricos.
Introducido en 1960, el Fender Jazz Bass fue presentado junto a la guitarra Jazzmaster como el modelo "Deluxe" del Precision.12 El Jazz bass (o J-bass) disponía de dos pastillas de bobinado simple, una cercana al mástil y la otra en la posición que ocupaba la pastilla simple del Precision. El modelo fue diseñado por Leo Fender para proporcionar a los guitarristas un instrumento aún más fácil de ejecutar que el Precision, dadas las dimensiones más pequeñas de su mástil.nota 7 Los primeros ejemplares contaban con cuatro controles (volumen y tono para cada una de las pastillas), pero esta configuración pronto cambiaría en favor de la actual: un control de volumen para cada pastilla y un control de tono pasivo general. Otro elemento que diferenciaba el nuevo modelo era el diseño asimétrico de su cuerpo.13
La configuración de pastillas de ambos modelos, así como el diseño general de los mismos, se ha convertido en un estándar de referencia, y así, es común hacer referencia a la configuración de pastillas de un instrumento determinado como "Pastillas Precision" o "Pastillas Jazz".14
Fender lanzó seis años más tarde su modelo Mustang Bass, un instrumento de escala corta (30 pulgadas frente a las 34 del P-bass o del J-bass) y precio reducido dirigido principalmente al mercado de principiantes y estudiantes.15
Durante los años cincuenta y sesenta el bajo eléctrico era frecuentemente llamado "bajo Fender", gracias a la posición dominante que la corporación ejercía en el mercado.16 El término "bajo eléctrico" comenzó a reemplazar al de "bajo Fender" a finales de la década de 1960, como resulta evidente en el título de un manual didáctico editado por la bajista Carol Kaye en 1969, muy popular en la época: How to Play the Electric Bass.17 nota 8

[editar]Los años setenta

Music Man Stingray. La posición de la pastilla hace de este bajo un instrumento ideal para "slappers".
La años 70 asistieron a la fundación de la compañía Music Man por parte de Leo Fender, cuyo buque insignia era el modelo Stingray, el primer bajo producido en serie con electrónica activa, esto es, con un preamplificador incorporado que permite disminuir la impedancia de la circuitería de la pastilla incrementando el volumen de salida y posibilitando la ecualización activa del instrumento. Distintos modelos se fueron identificando con estilos de música particulares, y, así, el modelo 4001 de Rickenbacker se asociaba con bajistas de rock progresivo como Chris Squire de Yes, mientras que el Stingray de Music man se identificaba con el estilo funk del bajista de sesión Louis Johnson.18
En 1971Alembic estableció el patrón que identificaría a lo que desde entonces se ha venido en llamar "boutique basses", instrumentos de gama alta y elevado precio construidos a medida de los requerimientos específicos del cliente. Este tipo de instrumentos suelen mostrar sofisticados diseños y elaborada electrónica, y, con frecuencia, están construidos con maderas preciosas (o con otros materiales alternativos como el grafito) por luthiers especializados. Se suelen usar técnicas de construcción innovadoras como el diseño "Neck-thru" multilaminado, donde el mástil, en lugar de estar atornillado al cuerpo lo recorre en su integridad.19 20 Desde mediados de los setenta, Alembic y otras compañías (como Tobias o Ken Smith Basses) comenzaron a producir bajos de cuatro y cinco cuerdas (una cuerda extra afinada en si grave);21 en 1975 el bajista Anthony Jackson encargó al luthier Carl Thompson la realización de un bajo de seis cuerdas,22 afinado si, mi, la, re, sol, do, que pasaría a la historia como uno de los primeros instrumentos de rango extendido.

[editar]De 1980 en adelante

Uno de los primeros bajos Steinberger, de principios de 1980.
Con la llegada de los años ochenta, luthieres e ingenieros continuaron explorando nuevas posibilidades. Ya en 1979Ned Steinberger había presentado un bajo sin cabezal ni cuerpo, y más tarde continuaría con sus investigaciones, como el uso de materiales alternativos como el grafito, o la palanca de trémolo para el bajo, presentada en 1984.23 En 1987 la compañía Guild lanzó su modelo Ashbory, un instrumentofretless de dimensiones reducidísimas (escala de 18 pulgadas) que usaba cuerdas de silicona y una pastilla piezoeléctrica, y que ofrecía una simulación más que aceptable del sonido del contrabajo acústico.24 A finales de la década de los ochenta el show "Unplugged" de la cadena musical norteamericana MTV ayudó a popularizar los bajos acústicos, de caja hueca pero amplificados mediante pastillas.25
Durante los años noventa los bajos de cinco cuerdas se fueron haciendo progresivamente más comunes y accesibles, y un número cada vez mayor de bajistas (de géneros tan dispares como el metal y el gospel) comenzaron a utilizarlos para aprovechar sus nuevas posibilidades. De modo paralelo, la circuitería activa dejó de estar reservada a los instrumentos de gama alta para ir siendo incorporada progresivamente a instrumentos de series más económicas.26
Durante la década siguiente, algunos fabricantes incluían circuitos de modelado digital incorporados directamente en sus instrumentos, con los que pretendían simular los sonidos característicos de los bajos más conocidos (ej: Variax Bass, de la firma Line 6). A pesar de estas innovaciones, los diseños tradicionales prevalecieron entre el público general, y los modelos Precision y Jazz de Fender continuaron contando con su favor.27 En el 2006, Fender celebró el 60.º aniversario de su P-bass con una reedición especial de su famoso instrumento, al tiempo que presentaba su modelo Jaguar.28

[editar]Consideraciones de diseño

[editar]Materiales y diseño de construcción

Hoy en día, al lado de los instrumentos fabricados en cadena de montaje ofrecidos por las compañías tradicionales, asistimos a una enorme proliferación de instrumentos fabricados artesanalmente por luthieres individuales. Aunque la madera sigue siendo la materia prima fundamental para la fabricación del cuerpo de los instrumentos, también se usan otros compuestos alternativos como el grafito (véase Steinberger o Modulus), especialmente en la construcción de mástiles y diapasones. La madera más común para la fabricación del cuerpo es el aliso, mientras que el arce se emplea con profusión en la fabricación de mástiles y el palo rosa para los diapasones. Otras maderas de uso común son: caobafresnoarcetilo americano y álamo para el cuerpo; caoba para el mástil; y arce, palorosa o ébano para el diapasón.29 Entre las maderas exóticas o preciosas usadas en la fabricación de estos instrumentos, encontramos la bubinga, el wenge, el ovangkol, el zebrawood o el ébano.30 El uso de estas maderas está normalmente reservado a instrumentos de gama alta: por ejemplo, la compañía Alembic usa frecuentemente madera de cocobolo para los cuerpos y tapas de sus instrumentos por su atractivo granulado; la firma alemana Warwick Basses es también conocida por las originales maderas que emplea en la construcción de sus instrumentos, ovangkol en el mástil, wenge o ébano en el diapasón y bubinga para el cuerpo.31
Fender Mustang Bass de 1971, un bajo de escala corta.
El grafito o la fibra de carbono se usan para elaborar mástiles de peso reducido (una estrategia empleada por ejemplo por Modulus o Peavey, para construir sus modelos "G-Bass" o "B-Quad", con mástil de grafito o, en algunos casos, instrumentos completos)32 33
Entre las opciones de fabricación, encontramos las opciones de acabado (acabados en cera, en aceite o lacados) o las opciones de cuerpo (esculpidos según un diseño plano o curvo); la presencia o no de cabezal o cuerpo (véase Steinberger); el uso de materiales sintéticos como el "luthite", que permite técnicas de producción y diseño más allá de lo que permite la madera (véase Basslab); o el uso de orificios en el cuerpo del instrumento, para incrementar la resonancia y reducir el peso del instrumento. Los bajos acústicos están equipados normalmente con pastillas piezoeléctricas o magnéticas que permiten la amplificación del instrumento, dado su reducido volumen natural.
El mástil puede estar atornillado al cuerpo (bolt-on), o puede ser del tipo neck-thru body. Algunos bajistas atribuyen a los bajos de mástil atornillado un sonido más brillante, mientras que de los instrumentos de mástil continuo (neck-thru body) se afirma que poseen un mayor sustain.34 En cualquier caso, el sonido final de un instrumento dependerá de muchos otros factores además del tipo de mástil (tipo de maderas, electrónica. etc.)
Los bajos de escala larga, como los Precision Bass de Fender ofrecen una escala (distancia entre la nuez y el puente del instrumento) de 34 pulgadas, que es considerada la escala estándar del bajo eléctrico.35 Sin embargo son bastante comunes instrumentos de escala corta, habitualmente de 30 o 32 pulgadas, como el "bajo-violín" de Höfner que popularizó Paul McCartney o el Mustang Bass, de Fender, ambos diseñados especialmente para músicos de manos pequeñas o principiantes.36 Aunque los bajos de 35, 35,5 ó 36 pulgadas de escala estaban reservados hace unos años a los instrumentos de luthier, hoy día existen muchos fabricantes que incluyen instrumentos de escala "extra larga" en sus catálogos. Esta longitud extra de escala provoca una mayor tensión en las cuerdas, que redunda en un sonido más claro y definido, sobre todo en las regiones graves del diapasón y en instrumentos de 5 y 6 cuerdas.37

[editar]Bajos con y sin trastes

Artículo principal: Bajo fretless
Un bajo fretless con cuerdas flatwound (planas); obsérvense las marcas a lo largo del diapasón, que ayudan al ejecutante a una correcta afinación.
Una de las consideraciones primordiales a las que tiene que hacer frente un constructor es si usar o no trastes en el diapasón. En un bajo con trastes, éstos dividen el diapasón en divisiones de semitono, como ocurre en la guitarra. El Precision Bass original disponía de 20 trastes, pero muchos bajos modernos disponen de 24 o incluso más. El bajo sin trastes, o "fretless", ofrece un sonido muy característico, pues la ausencia de trastes metálicos significa que la cuerda debe ser presionada directamente contra la madera del diapasón, como ocurre en elcontrabajo. La vibración así producida ofrece un sonido más dulce y cálido, y el bajo fretless permite ciertas técnicas de ejecución que no son posibles en un bajo eléctrico normal, como el "glissando continuo" o la afinación microtonoal.38 Algunos bajistas emplean ambos tipos de bajos, fretless y con trastes, en función del tipo de material a ejecutar, como el legendario bajista de sesión Pino Palladino, que ha trabajado con Eric Clapton o David Gilmour, y forma parte actualmente del trío de John Mayer. Aunque se asocia normalmente el bajo fretless al jazz o al "jazz fusion", el instrumento es hoy usado por músicos en una amplia variedad de estilos, como el rock, la salsa o, incluso, el heavy metal.
Jack Bruce, con un Warwick fretless.
El primer bajo "fretless" fue "construido" por Bill Wyman en 1961, cuando convirtió un bajo económico de fabricación japonesa a fretless arrancándole los trastes, un instrumento que podemos escuchar en temas de The Rolling Stones como "Paint it Black".39 El primer bajo fretless de serie fue el modelo AUB-1 de Ampeg, lanzado en 1966;40 Fender introduciría la versión "fretless" de su Precision Bass en 1970.41
A principios de los años setenta el bajista Jaco Pastorius creó su propio bajo "fretless" eliminando los trastes a un Jazz Bass de 1962. En diversas entrevistas, Pastorius ofreció distintas versiones acerca de cómo consiguió hacerlo: menciona el uso de unos alicates y una cuchilla de obras, pero en al menos una entrevista afirma que compró el instrumento con los trastes ya eliminados, aunque no habían sido rellenados los huecos que habían dejado.42 En cualquier caso, Pastorius usó epoxy en lugar de barniz con el objetivo de obtener un acabado que le permitiese usar cuerdas "roundwound" (entorchadas), que, de otra manera, habrían acabado dañando la madera del diapasón.43
Algunos bajos "fretless" emplean marcadores como guías para facilitar la afinación; es frecuente el uso de cuerdas de nylon o planas ("flatwound") para no dañar el diapasón con el roce abrasivo continuo de las cuerdas. Algunos instrumentos fretless incorporan un barnizado con epoxy para incrementar la resistencia del acabado, realzar el "sustain" del instrumento y otorgarle un sonido más brillante. Aunque muchos bajos "fretless" disponen de cuatro cuerdas, podemos encontrar fácilmente bajos fretless de 5, 6 o incluso más cuerdas.44
El bajista de jazz-fusion Jaco Pastorius, famoso por su expresividad con el fretless.

[editar]Cuerdas, afinación y registro

Un bajo eléctrico estándar dispone de cuatro cuerdas afinadas mi, la, re, sol, esto es, en intervalos de cuarta ascendente. Esta afinación es equivalente a la del contrabajo, y corresponde asimismo a la afinación de las cuatro cuerdas más graves de la guitarra, sólo que una octava más grave en el caso del bajo eléctrico.45 Un bajo de cuatro cuerdas y 21 trastes cuenta, por tanto, con un rango tonal que va desde Mi1 hasta Mi4, es decir, un registro de tres octavas.
Existen diversos tipos de cuerdas, fabricadas casi siempre de alguna aleación metálica: "Roundwound" (entorchado redondo, de sonido más brillante), "Flatwound" (entorchado liso, de sonido más apagado) o "Halfwound" (entorchado semiliso, a medio camino entre los dos anteriores);46existen igualmente cuerdas de metal recubiertas de algún material plástico, o incluso de nylon. Semejante variedad otorga a los bajistas una gran cantidad de opciones de sonido. Durante los años cincuenta, las cuerdas "flatwound", con su superficie suave y su sonido apagado y reminiscente del contrabajo eran estándar. Durante las dos décadas siguientes algunos bajistas adoptaron las cuerdas "roundwound", similares a las de la guitarra eléctrica y que ofrecían un sonido más brillante y definido.

[editar]Bajos de rango extendido

Artículo principal: Bajo de rango extendido
Para ampliar el rango estándar del instrumento de cuatro cuerdas, los constructores tienen tres opciones: Ampliar el número de trastes, utilizar afinaciones alternativas o añadir cuerdas extra:
  • Cuatro cuerdas con afinaciones alternativas para extender el rango del instrumento.nota 9 Afinaciones en quinta (ej: do-sol-re-la) permiten un rango extendido tanto en graves como en agudos.
  • Cinco cuerdas normalmente afinadas si-mi-la-re-sol, proporcionan un rango extendido en graves. Los bajos de cinco cuerdas se emplean con asiduidad en la música rock o heavy metal, junto a guitarras de siete cuerdas (guitarras barítonas). Una afinación alternativa para los bajos de cinco cuerdas es mi-la-re-sol-do, conocida como "afinación tenor" y muy popular entre artistas de jazz y solistas. Otras afinaciones como do-mi-la-re-sol son empleadas ocasionalmente. La quinta cuerda proporciona una rango mayor respecto al bajo de cuatro cuerdas, y permite el acceso a un mayor número de notas en la misma posición, lo que redunda en una mayor versatilidad.
    Un Leduc de seis cuerdas.
  • Seis cuerdas, normalmente afinadas si-mi-la-re-sol-do. El bajo de seis cuerdas no es más que un bajo de cuatro cuerdas con dos cuerdas extra añadidas, una más grave y una más aguda. Aunque mucho menos comunes que los bajos de 4 y 5 cuerdas, estos instrumentos son empleados en géneros como el latin o el jazz, o por músicos de estudio que necesitan un instrumento sumamente versátil. Existen afinaciones alternativas para este tipo de bajos, como puedan ser si-mi-la-re-sol-si (como las cinco cuerdas más graves de la guitarra o incluso mi-la-re-sol-si-mi (que duplica la afinación estándar de la guitarra, una octava más grave, permitiendo la ejecución de acordes completos de guitarra en el instrumento). Otras afinaciones, aun menos comunes son mi-la-re-sol-do-fa, que expande el rango superior del instrumento al tiempo que mantiene la relación interválica entre las cuerdas o, fa#-si-mi-la-re-sol, que hace lo propio expandiendo la tesitura grave del instrumento.47
    Posiciones de las notas en un bajo estándar de cuatro cuerdas. Los puntos sobre el diapasón ayudan al ejecutante a encontrar la posición de la mano izquierda.
  • Detuners, esto es, dispositivos mecánicos como el "hipshot" que son activados por el músico y provocan la tensión o distensión de un o más cuerdas para lograr una afinación alternativa inmediata.48 Estos dispositivos son normalmente usados para destensar la cuerda más grave de un bajo de cuatro cuerdas (re-la-re-sol). Análogamente es posible usar estos dispositivos en bajos de cinco o más cuerdas para tensar o destensar la cuerda más grave. Existen músicos, como Michael Manring que añaden "hipshots" a más de una cuerda, obteniendo así innumerables posibilidades de afinación (véase Zon)49
El virtuoso Richard Bona con su Fodera de cinco cuerdas.
Los bajos de rango extendido (ERB en inglés) son instrumentos de 5, 6, 7, 8, 9, 10, 11 ó 12 cuerdas individuales. El primer bajo de 7 cuerdas fue construido por el luthier Michael Tobias en 1987para el bajista Garry Goodman, quien había desarrollado una técnica especial de mano derecha que requería el uso de siete o más cuerdas.50 La firma Conklin se especializó desde un principio en la construcción de este tipo de bajos, y ofrece instrumentos de 8 y 9 cuerdas.51 nota 10 El "guitarbass" es un instrumento de 10 cuerdas, cuatro de bajo (con afinación estándar) y las seis restantes con afinación de guitarra (también estándar).52 Este instrumento cuenta con un solo mástil y cuerpo, pero utiliza diferentes escalas, puentes, diapasones y pastillas para cada "región". Fue creado por John Woolley en el año 2005, basándose en un prototipo construido por David Minnieweather. El luthier Michael Adler construyó el primer bajo de 11 cuerdas de la historia en el año 2004, y realizó otro instrumento de doce cuerdas un año más tarde.53 Los instrumentos de 11 y 12 cuerdas de Adler disponen de un rango comparable al del piano de cola, con 97 notas en el último caso. Algunos constructores han experimentado con la creación de "Subcontrabajos" afinados en do#-fa#-si-mi (el do# de la cuerda más grave a 17.32 Hz).54 Entre los bajistas que usan este tipo de instrumentos podemos citar a Yves CarbonneJean BaudinBill DickensPhil Lesh o Al CaldwellIbanez lanzó su modelo SR7VIISC a principios del 2009; de escala corta (30 pulgadas) y afinación si-mi-la-re-sol-do-mi, la compañía lo describe como un cruce entre el bajo y la guitarra.55
El Fender Bass VI, un híbrido entre la guitarra y el bajo eléctrico.

[editar]Afinaciones alternativas e instrumentos de cuerdas dobles o triples

En ocasiones se emplean afinaciones alternativas con el objetivo de ampliar el rango efectivo del instrumento o de abarcar más notas con la misma posición de la mano izquierda. Entre los instrumentos diseñados para estos propósitos podemos destacar:
  • Bajos con menos de cuatro cuerdas, como los instrumentos del fabricante japonés Atlansia, de 1, 2 y 3 cuerdas.56 El bajista de sesión Tony Levinencargó a la firma Music Man la construcción de una versión de tres cuerdas de su modelo "Stingray".57
  • Afinaciones alternativas:
    • Bajo tenor, con afinación la-re-sol-do, como las cuatro primeras cuerdas de un bajo de seis cuerdas, o, simplemente, un bajo estándar de cuatro cuerdas afinadas una cuarta más aguda de lo normal. El Bajo tenor es usado, entre otros, por Stanley ClarkeVictor Wooten, o Stu Hamm.58
    • Bajo piccolo, con afinación mi-la-re-sol, una octava más aguda que el bajo estándar, o lo que es lo mismo, como las cuatro primeras cuerdas de la guitarra. Usado por bajistas de jazz fusion como Stanley Clarke.59
  • Bajos de 8, 10, 12 ó 15 cuerdas, construidos según los mismos principios de la guitarra de 12 cuerdas, donde cada cuerda individual dispone de otra paralela afinada una octava más aguda para ofrecer un sonido más grueso. Por ejemplo, un bajo de 8 cuerdas podría usar una afinación mi-mi, la-la, re-re, sol-sol, con cuerdas dobles, mientras que uno de 12 cuerdas podría estar afinado mi-mi-mi, la-la-la, re-re-re, sol-sol-sol, con cuerdas triples. Un bajo de 10 cuerdas añadiría dos cuerdas en si al bajo de 8 cuerdas del primer ejemplo. El primer bajo 15 cuerdas (afinado mimimi-lalala-rerere-solsolsol-dododo) fue producido por Warrior Guitars en 1998.60

[editar]Pastillas (micrófonos) y amplificación

[editar]Pastillas magnéticas

La mayoría de los bajos eléctricos usan pastillas (también llamados micrófonos en gran parte de Sudamérica) magnéticas.46 La vibración de las cuerdas de metal dentro del campo magnético generado por los imanes de las pastillas, es captado por éstos y produce pequeñas variaciones del flujo magnético en las bobinas de las pastillas, a las que los imanes van conectados. Estas variaciones magnéticas producen a su vez una pequeña carga eléctrica de bajo nivel en la bobina, que es amplificada posteriormente y que, a través del altavoz, produce el sonido final del instrumento. Con menos frecuencia se emplean asimismo pastillas no magnéticas, generalmente de tipo óptico.53 Las pastillas piezoeléctricas, por ejemplo, captan la vibración mecánica de las cuerdas y transforman esta vibración mecánica en impulsos eléctricos. Desde mediados de los años setenta es posible adquirir instrumentos que disponen de electrónica activa, es decir, que cuentan con pequeños previos incorporados que permiten realzar la señal y ecualizar el sonido del bajo -realzando o recortando las distintas frecuencias- desde el propio instrumento (Véase: Alembic).
Pastillas "tipo Jazz".
  • Pastillas "tipo Jazz" (J / Jazz Pickups en inglés): Este tipo de pastillas, cuyo nombre hace referencia al diseño original del Fender Jazz Bass presenta una configuración de dos pastillas (una situada cerca del puente y la otra situada entre el puente y la base del mástil), cada una de las cuales dispone dos polos magnéticos por cuerda.61 62 Normalmente este tipo de pastillas son de bobinado simple. Como ocurre con las pastillas tipo Precision, estas pastillas cuentan con un bobinado invertido y polaridad magnética inversa, y como resultado, producen una cancelación del ruido magnético cuando ambas se usan al mismo volumen. Este ruido magnético se presenta, sin embargo, cuando las pastillas presentan un volumen desigual y desaparece por completo cuando una de las pastillas queda muteada. Las pastillas tipo "Jazz" suelen presentar un volumen de salida inferior respecto a las pastillas tipo "Precision", y un sonido ligeramente más "dulce" y suave. Muchos bajistas suelen combinar una pastilla tipo "Precision" en el mástil con una tipo "Jazz" en el puente para tener acceso a ambas opciones.63
Pastillas "tipo Precision".
  • Pastilla "tipo Precision dividida" (P/ Precision pickup en inglés): Este tipo de pastilla, diseñada originalmente para el Fender Precision en su versión de 1957, está formada en realidad por dos pastillas de bobinado simple que, situadas una junto a la otra, aparentan formar una sola unidad.63 Cada pastilla se hace cargo de dos cuerdas y -como en el caso de las Jazz- cuentan con un bobinado inverso para la cancelación del ruido magnético. De este modo, en realidad, las pastillas "tipo P" se comportan a efectos funcionales como una "humbucker" sencilla. Menos común es la pastilla "Precision simple" usada en el modelo original, desde 1951 hasta 1957. Esta pastilla, también conocida como "Vintage Precision", se emplea hoy en algunas reediciones de modelos clásicos, como el "Precision Sting Signature" de Fender.64
  • Pastillas "Humbucker", o de bobinado doble (DC o Dual Coil en inglés): Disponen de dos bobinas invertidas que presentan imanes con polaridad inversa (un principio similar a las pastillas "jazz").65 Esta disposición reduce considerablemente el nivel de interferencia y de ruido respecto a las pastillas de bobinado simple. Del mismo modo, las pastillas "humbucker" ofrecen generalmente un nivel de salida mayor que el producido por las pastillas de bobinado simple. Las pastillas de bobinado doble se presentan en dos variedades: cerámica o cerámica y acero. Las primeras producen un sonido ligeramente más áspero que las segundas y precisamente por ello, son a menudo más usadas por músicos de rock y estilos afines.
  • "Pastillas "Soapbar", así llamadas por su parecido a una pastilla de jabón (soapbar en inglés). Atribuidas generalmente a Gibson, que introdujo este tipo de pastillas en su guitarra P-90 en 1943, el término se usa también para hacer referencia a cualquier pastillas de forma rectangular que carezca de polos magnéticos visibles.66 Empleadas normalmente en la construcción de bajos diseñados para rock o heavy metal, como los instrumentos de GibsonESP Guitars o Schechter, entre otros.
Existe una gran variedad en cuanto a la disposición de pastillas en la construcción de bajos eléctricos.67 Numerosos modelos presentan una sola pastilla, generalmente de tipo P o "humbucker"; muy comunes son también los instrumentos que cuentan con dos pastillas tipo "Jazz" -como el propio Fender Jazz Bass- o aquellos que poseen una pastilla P en el mástil y otra J en el puente (ejs: Fender Precision Bass Special, Fender Precision Bass Plus).nota 11
La posición de las pastillas en el cuerpo instrumento está íntimamente relacionado con el sonido obtenido del mismo. Una pastilla situada cerca de la base del mástil produce un sonido grave y profundo, mientras que una pastilla situada cerca del puente, por su menor vibración, enfatiza los armónicos medios y agudos, y ofrece un sonido más brillante y definido.68 Los bajos con más de una pastilla cuentan generalmente con controles que permiten mezclar las señales de éstas, lo que incrementa la versatilidad sonora del instrumento.
[editar]Circuitos activos
Popularizados por Alembic a finales de los años 60, este tipo de circuitos necesita una fuente de alimentación (generalmente una pila o batería) para preamplificar la señal antes de enviarla al amplificador.69 Las pastillas de electrónica activa son de baja impedancia (La impedancia eléctrica mide la oposición de un circuito o de un componente eléctrico al paso de una corriente eléctrica alterna sinusoidal) porque usan menos alambre alrededor de los imanes, para conseguir una respuesta de frecuencia más amplia.
Bajos Alembic con circuitería activa.
La electrónica activa tiene muchas ventajas: no hay zumbidos, se gana en más bajos y agudos, se obtiene un mayor nivel de salida (necesario cuando el cable es muy largo) y se dispone de un sistema de ecualización incorporado para transformaciones adicionales de las propiedades del sonido.70 Debido a su habilidad para cortar o potenciar la señal así como varias bandas de ecualización, este tipo de electrónica es muy versátil. Los modelos de preamplificador más usados funcionan con una batería de 9 voltios, aunque existen modelos más exigentes que requieren de 18 voltios (sistemas de doble batería).

[editar]Pastillas no magnéticas

El uso de pastillas no magnéticas permite el empleo de cuerdas no metálicas (de nylon, brass o incluso de silicona, como ocurre con el "Ashbory bass" de Guild, lo que da lugar a sonidos muy diversos.71
  • Las pastillas piezoeléctricas, diseñadas por Ovation para sus modelos de guitarras acústicas a finales de los años setenta son pastillas no magnéticas que usan un cristal transductor para convertir las vibraciones mecánicas de las cuerdas y de la tapa en señales eléctricas. Producen un sonido muy diferente al obtenido con las pastillas tradicionales, más cercano al del contrabajo acústico.72
  • Las pastillas ópticas usan LEDs infrarrojos para detectar visualmente el movimiento de las cuerdas, lo que permite la reproducción de las bajas frecuencias típicas del instrumento a alto volumen sin el característico ruido de masa y resonancia asociado a las pastillas convencionales.73 Dado que las pastillas ópticas no recogen con facilidad altas frecuencias o sonidos percusivos, normalmente se complementan con pastillas piezoeléctricas. La compañía Lightwave construye instrumentos con pastillas ópticas.74
Amplificador de bajo.

[editar]Amplificación y efectos

Al igual que la guitarra eléctrica, el bajo eléctrico necesita ser conectado a un amplificador y a un altavoz para emitir sonido. Algunos bajistas usan un amplificador "combo", esto es, un aparato que combina amplificador y altavoz en una misma caja, mientras que otros prefieren usar unidades de amplificación y altavoces independientes.75 Cuando el instrumento se conecta a un sistema de amplificación a gran escala (sistema PA), normalmente se enchufa a una "caja directa" o "caja de inyección" (DI o direct box en inglés) que envía la señal del instrumento directamente a la mesa de mezclas, y, desde allí al sistema de monitoraje interno y al amplificador (que el músico usa como monitor). Para las grabaciones se puede emplear un micrófono situado delante del amplificador, se puede grabar directamente a la mesa a través de una caja directa, o se puede optar por una solución mixta.76
Un pedal de efecto.
Existen numerosos dispositivos que permiten alterar el sonido natural del instrumento. Estos efectos (preamplificadores de señal, ecualizadores en rack o dispositivos "Stomp boxes" como compresores, limitadores, pedales de wah, distorsión, etc...) pueden ser usados para procesar el sonido antes o después del preamplificador. Son, desde hace unas décadas, muy populares entre músicos aficionados y profesionales y existe una gran gama de ellos en el mercado.77 78 Algunos de los más comunes son los compresores, los pedales deoverdrive o distorsión, los efectos de delay (chorusflangerPhaserReverbEcho), los envelope filters o pedales wahwah o los efectos desintetizador u octavadores.79 Todos estos efectos pueden ser adquiridos individualmente (pedales de efecto) o en formato rack (pedalera).80

[editar]Instrumentos emparentados

Además del contrabajo acústico, instrumento del que el bajo eléctrico es descendiente directo, existe toda una serie de instrumentoshíbridos que cumplen en el contexto de la banda las mismas funciones armónicas y rítmicas que el bajo eléctrico:
Por otra parte la ejecución de línea de bajo no es responsabilidad exclusiva de los instrumentos de esta familia. Diversos instrumentos, como la tuba, el trombón o el órgano entre otros, pueden cumplir la misma función en sustitución del bajo eléctrico o el contrabajo.83

[editar]Técnicas

[editar]Tocar sentado o tocar de pie

No existe una regla general acerca de esta cuestión: si bien la mayoría de los bajistas tocan su instrumento de pie, bajo determinadas circunstancias (en actuaciones con big bands o en géneros acústicos como el folk music, por ejemplo) puede esperarse del músico (o incluso serle exigido) que toque sentado. Más allá de estas circunstancias especiales, el hecho de tocar de una u otra forma es una cuestión de preferencias personales.
Victor Wooten con su bajo Fodera.

[editar]Técnicas de ejecución

[editar]Pulsación

A diferencia del contrabajo, el bajo eléctrico se posiciona horizontalmente respecto al cuerpo del músico, como una guitarra eléctrica. La técnica más difundida consiste en pulsar las cuerdas con los dedos índice y corazón de la mano derecha (pizzicato, o en inglés fingerpicking, aunque en ocasiones se usan también los dedos pulgar, anular o meñique.84
Leo Fender había diseñado su Precision Bass original dando por sentado que los músicos utilizarían el dedo pulgar de la mano derecha para pulsar las cuerdas, como, de hecho hacían los primeros bajistas en adoptar el nuevo instrumento. De ahí la localización del apoyapulgar en la parte inferior del cuerpo de las primeras versiones del instrumento.85 James Jamerson, un influyente bajista de la Motown usaba únicamente el dedo índice (que el llamaba The hookEl garfio) para ejecutar complicadas líneas de bajo.86 Igualmente, existen numerosas diferencias en cuanto a la posición de reposo del pulgar de la mano derecha: algunos bajistas usan el apoyapulgar que Fender había diseñado originalmente; otros lo apoyan sobre la pastilla o sobre el lateral del cuerpo; y otros, por último lo apoyan sobre la cuerda más grave o sobre aquella que desean mutear. La cuerda puede ser pulsada en cualquier punto entre la base del mástil y el puente, pero en función de ello varía notablemente el timbre del instrumento: algunos bajistas, como el virtuosoJaco Pastorius, son conocidos por usar preferentemente el área más cercana al puente del instrumento, donde la cuerda es más tensa y produce un sonido más seco, compacto y definido, mientras otros prefieren utilizar la parte media o más cercana a la base del mástil para obtener un sonido más grave y redondo.87
Es posible emular el sonido tradicional del contrabajo pulsando las cuerdas con el dedo pulgar de la mano derecha mientras se mutean ligeramente con la palma de la mano para obtener un sonido corto y sordo, muy similar al del hermano acústico del bajo eléctrico. Esta técnica, de hecho, era favorecida en los primeros modelos Precision por la localización del "apoyapulgar" bajo las cuerdas, pero este apoyapulgar fue progresivamente eliminado en los modelos de los años setenta para desaparecer por completo en los años ochenta.
[editar]"Slap y pop"
Artículo principal: Slap
Flea, de Red Hot Chili Peppers, ha contribuido a popularizar el slapping.
Mediante la técnica de slapping, muy frecuente entre los bajistas de funk, se logra un sonido percusivo muy característico que se consigue al golpear con el pulgar ("slapping" en inglés) las cuerdas graves y pellizcar con los dedos índice y medio ("popping" en inglés) las cuerdas más agudas. Los ejecutantes de esta técnica intercalan a menudo notas fantasma y notas muertas entre las notas "pop" y "slap" para conseguir el efecto percusivo característico del slapping. Tras la ejecución de una nota slapeada, la mano izquierda puede provocar otras notas mediante el empleo de diversas técnicas como el hammer-onpull-off' o glissando. Se atribuye generalmente a Larry Graham, bajista original de Sly and the Family Stone, la invención de este técnica, pero el bajista de sesión Louis Johnson ha afirmado que desarrolló la técnica de forma paralela e independiente, y hoy se considera a ambos como los padres del slap.85 88
La técnica es usada asimismo por muchos intérpretes más allá de las fronteras del funk, como el rock (Les Claypool) (Flea), elheavy metal, la fusion (Marcus MillerVictor Wooten o Alain Caron) o el pop (Mark King de Level 42). En los últimos años Victor Wooten ha popularizado la técnica del "double thump", que consiste en golpear dos veces (una con la yema, la otra con la uña) cada cuerda.89 Tony Levin ha experimentado con una técnica derivada del slapping que denominaba "funk fingers", y que consistía en el uso de unos palillos de madera para golpear las cuerdas.90

[editar]Uso de la púa

La púa es usada por algunos bajistas que buscan un ataque más articulado, o que, simplemente, prefieren su uso en lugar de los dedos.91 Aunque generalmente se asocia el uso de la púa a géneros como el rock, existen músicos en otros estilos que usan preferentemente la técnica, como el bajista y compositor de jazz Steve Swallow o el bajista de flamenco Carles Benavent.92 93 Normalmente la púa se sostiene con los dedos índice y pulgar, y es la muñeca la encargada de proporcionar el movimiento alternativo arriba-abajo.
Steve Swallow, un bajista ilustre que toca exclusivamente con púa.
Existen diversas variedades de púas disponibles, pero, dado el mayor grosor de las cuerdas del bajo respecto a las de la guitarra, la mayoría de los bajistas prefieren púas más gruesas y más duras que las usadas por los guitarristas. El empleo de distintos materiales (plástico, nylon o fieltro) proporciona diferentes sonoridades.

[editar]Técnicas de mano izquierda

La mano izquierda del bajista (la derecha para los músicos zurdos) se usa para presionar las cuerdas sobre los trastes del diapasón con el propósito de obtener así las diferentes notas. La mano izquierda puede asimismo provocar cambios en una nota en ejecución, muteándola justo después de que la cuerda ha sido pulsada para apagar la nota eliminando la vibración de la cuerda, ya sea bruscamente o progresivamente. La mano izquierda cumple una tercera función, mutear las cuerdas que no están siendo pulsadas por el músico para eliminar las vibraciones no deseadas y la resonancia por simpatía, lo que resulta de vital importancia para obtener un sonido limpio y definido.94 En algunos casos, sin embargo, esta propiedad de "vibración por simpatía" de las cuerdas puede ser aprovechada por el músico con resultados musicales, haciendo sonar otras notas que componen el acorde que está sonando en ese momento, lo que es muy común en la ejecución de baladas, por ejemplo.
La mano izquierda es también responsable de aplicar vibrato a la nota que está sonando en ese momento, ya sea de un modo sutil o más exagerado. En los bajos sin trastes el vibrato se aplica en la mayoría de los casos alternando rápidamente la nota con una nota inmediatamente superior. En los bajos fretless el ejecutante puede usar este tipo de vibrato, pero generalmente se hace uso de la capacidad del instrumento para ejecutar microtonos. En cualquiera de los casos el vibrato se aplica casi siempre sobre notas obtenidas pulsando las cuerdas en algún punto del diapasón, pero cuando se trata de posiciones abiertas (notas EADG en el "traste 0"), es posible también obtener vibrato mediante la aplicación de una ligera presión a la parte de la cuerda que queda más allá de la nuez del instrumento. En algunas -raras- ocasiones el bajista puede ayudarse de palancas de trémolo como las usadas por los guitarristas para obtener el mismo efecto.95
El efecto contrario, llamado bending se obtiene pulsando la cuerda varios semitonos más agudo de nuestra nota objetivo, para pasar a pulsarla y desplazar la mano izquierda rápidamente hasta la nota que deseamos ejecutar. Los bajistas pueden asimismo pulsar varias notas contemporáneamente para ejecutar acordes. Por la naturaleza tímbrica y funcional del instrumento, los acordes son ejecutados con mucha menor frecuencia por bajistas que por guitarristas, pero aun así, es posible ejecutar una gran variedad de ellos, especialmente con bajos de seis o más cuerdas.96
Billy Sheehan en un concierto de 2005.
Otra técnica a disposición de los bajistas son los armónicos, que se consiguen aplicando una ligera presión sobre el traste con la mano izquierda, evitando que la cuerda llegue a hacer contacto con el traste, para posteriormente pulsar la cuerda con la mano derecha.97 Esta técnica (popularizada sobre todo por Jaco Pastorius) posibilita la obtención de sonidos mucho más allá de las posibilidades tímbricas naturales del instrumento, y ha sido a veces usada en para la composición de piezas cuya riqueza armónica quedaba fuera de las posibilidades de la técnica estándar.98
El efecto de glissando consiste en un deslizamiento de la mano izquierda sobre el diapasón, en ambas direcciones. Para un efecto sutil, puede ser apllicado sin tan siquiera pulsar la cuerda con la mano derecha; para un efecto más pronunciado se puede pulsar la cuerda antes de ejecutar el glissando; y para un efecto extremo -generalmente en contextos punk o heavy metal- puede incluso usarse una púa para rasgar la cuerda longitudinalmente.
La mano izquierda puede asimismo ejecutar notas sin laintervención de la mano derecha, ya sea mediante la técnica de pizzicato de mano izquierda, ya sea mediante la aplicación de las técnicas de hammer on o pull off.nota 12 Los bajistas de jazz usan a menudo grace notes, adornos rítmicos con forma de notas en posiciones abiertas con la mano izquierda, ejecutadas justo antes de pulsar la cuerda con la mano derecha
[editar]Tapping a dos manos
Tapping a dos manos.
Mediante esta técnica, cuyo origen encontramos en la guitarra eléctrica, el músico emplea ambas manos para ejecutar veloces pasajes presionando las cuerdas contra los trastes del diapasón.99 En lugar de pulsar la cuerda con la mano derecha, el sonido es provocado por la vibración de la cuerda al ser presionada contra los trastes. Dado que son empleadas las dos manos, es posible ejecutar líneas de contrapunto, delineando la línea de bajo y la armonía simultáneamente. Algunos bajistas que han obtenido notoriedad con esta técnica son Billy SheehanStuart HammJohn Myung, o Les Claypool. Sin embargo la técnica no está reservada en exclusiva a músicos de heavy metal, siendo usada con frecuencia por virtuosos como Michael ManringJeff Berlin o Victor Wooten. Existen incluso instrumentos diseñados para ser ejecutados exclusivamente mediante esta técnica, de los que el Chapman Stick o los instrumentos de Warr Guitars son sólo dos ejemplos.100 101

[editar]Usos y estilos

[editar]Música popular

En la música moderna el bajo eléctrico es el instrumento de la sección rítmica que se hace cargo de la línea de bajos, delineando así la guía armónica básica del tema. Rítmicamente el bajo construye con la batería el pulso rítmico del tema sobre el que se sostienen el resto de los instrumentos. Otros elementos de la sección rítmica base son la guitarra o el piano, que se encargan generalmente del desarrollo de la base armónica proporcionada por el bajo y contribuyen a fijar rítmicamente el tema.
Los tipos de líneas de bajo ejecutados por los bajistas difieren notablemente en función del estilo de que se trate, pero sobre estas diferencias de estilo subyacen varios roles comunes: el trabajo del bajista consiste en establecer el marco armónico (lo que frecuentemente significa enfatizar la nota raíz de los acordes y -en menor medida- los intervalos de quinta, tercera o séptima) y determinar el pulso rítmico.
La importancia del rol del bajista varía asimismo según el estilo de música que se esté ejecutando: En algunos estilos pop, el bajo cumple una función relativamente simple, y la música se focaliza más sobre los instrumentos melódicos y sobre la línea vocal. En el reggae o el funk existen numerosos temas que giran alrededor de una línea de bajo, que, además, suele estar muy presente en la mezcla. En la música countryfolk, o estilos similares, el bajo ejecuta normalmente patrones simples de tónica-quinta sobre cada acorde de la progresión. En el blues o el jazz, el bajista ejecuta frecuentemente líneas walking derivadas de las escalas y los arpegios correspondientes a la progresión, y también hace un uso frecuente de riffs basados en la escala de blues, especialmente -como resulta obvio- en aquellos temas que emplean una progresión armónica basada en el blues.102 En el heavy metal y sus derivados, el bajista dobla generalmente las líneas ejecutadas por los guitarristas, para aportar profundidad al sonido de la banda.
En ocasiones el bajista interrumpe su función básica en la sección rítmica para pasar a ejecutar breaks o solos. El tipo de breaks y solos varían nuevamente en función del estilo que estemos tratando, y así, por ejemplo, en una banda de rock, un break del bajista puede consistir en un sencillo riff o lick que aprovecha una pequeña pausa en el tema; en una banda de heavy metal, el bajista puede ejecutar un solo de tapping, mientras que en una banda funk el bajista podría exhibir sus habilidades de slapping.

[editar]Jazz y jazz fusion

El bajo eléctrico es un instrumento relativamente reciente en el mundo del jazz. Tanto las big bands de los años treinta y cuarenta (la era de swing), como los combos bebop y hardbopde los cincuenta y sesenta usaban el contrabajo.103 El bajo eléctrico fue introducido en el jazz desde finales de los sesenta hasta principios de los setenta, cuando, bajo la influencia del rock, algunos líderes de la vanguardia del jazz como Miles Davis estaban experimentando con la fusión de ambos estilos en lo que vendría a llamarse fusión o jazz fusion.104
Matthew Garrison, hijo de Jimmy Garrison (bajista de John Coltrane), ha grabado y tocado con artistas de jazz fusion como Herbie HancockJohn McLaughlinPat Metheny o Joe Zawinul.
El bajo eléctrico en el jazz cumple las mismas funciones del contrabajo, esto es, es un instrumento de acompañamiento fundamentalmente, pero también puede ser requerido como solista. Cuando acompaña, el bajista ejecuta normalmente líneas de walking bass sobre estándars de jazz. En temas latin o fusión el bajista puede ejecutar figuras sincopadas en combinación con el baterista, o puede también proveer un fundamento rítmico simple y sólido.
El rol como solista del bajo eléctrico es más acentuado en el jazz que en los demás estilos, dada su naturaleza improvisada y la abundancia de solos en este tipo de música. Mientras que en la mayoría de las bandas de rock no suele se normal que el bajista ejecute un solo, durante una representación de jazz es de esperar que el bajista, como el resto de los músicos, se encarge de una o más improvisaciones de longitud variable. Tanto si el bajista está acompañando como si se está haciendo cargo de un solo, es muy importante en este contexto que lo haga con un fuerte sentido del swing y un sólido groove.105

[editar]Música clásica contemporánea

La música clásica contemporánea emplea tanto instrumentos clásicos de la música occidental (pianoviolíncontrabajo, etc.) como instrumentos y dispositivos de sonidos de creación más reciente (instrumentos eléctricos, reproductores de cassette o radios). El bajo eléctrico se ha utilizado ocasionalmente en este contexto desde los años sesenta.
Los compositores contemporáneos obtienen frecuentemente sonidos o timbres inusuales a través del uso de instrumentos o técnicas de ejecución no convencionales, de modo que el bajista que desarrolla su actividad en este campo debe estar preparado para este tipo de requerimientos.
El compositor ruso Alfred Schnittke, fotografiado aquí en 1989, usó el bajo eléctrico en su Sinfonía n.º 1 (1972).
Entre los compositores modernos que han usado el bajo eléctrico desde los años sesenta encontramos aChristian Wolff (nacido en 1934) (Electric Spring 1, 1967; Electric Spring 2, 1966/70; Electric Spring 3, 1967; yUntitled, 1996);106 Francis Thorne, un estudiante de Paul Hindemith, de la Universidad de Yale nacido en 1922, quien escribió (Liebesrock 1968–69);107Krzysztof Penderecki (Cello Concerto n.º 1, 1966/67, rev. 1971/72),108 The Devils of Loudun], 1969; Kosmogonia, 1970; y Partita, 1971); Louis Andriessen (Spektakel, 1970;109 De Staat, 1972-76; Hoketus, 1976; De Tijd, 1980-81 y De Materie, 1984–1988); el compositor danés Pelle Gudmundsen-Holmgreen (1932) (Symfoni på Rygmarven, 1966; Rerepriser, 1967; y Piece by Piece, 1968);110 Irwin Bazelon (Churchill Downs, 1970).
El compositor y director de orquesta Leonard Bernstein (1918 – 1990) usó el bajo eléctrico para su Mass, 1971).111 El compositor soviético Alfred Schnittke usó el instrumento para su Symphony n.º 4, de 1972.112 En 1977, David Amram (1930) escribió En memoria de Chano Pozo para bajo eléctrico.113
Durante los años ochenta y noventa, el bajo eléctrico fue empleado en los trabajos de Hans Werner Henze (El Rey de Harlem, 1980; e Il ritorno d’Ulisse in patria, 1981),114 Electric Counterpoint, de Steve Reich (1987),115 Wolfgang Rihm (Die Eroberung von Mexico, 1987-91),116 Arvo Pärt (Miserere, 1989/92),117 Sofia Gubaidulina (Aus dem Stundenbuch, 1991), Giya Kancheli (Wingless, 1993),118 John Adams (I Was Looking at the Ceiling and Then I Saw the Sky, 1995; y Scratchband, 1996/97), o Michael Nyman.119

[editar]Bajistas destacados

Entre los bajistas que, por diversos motivos, ocupan un lugar destacado en su estilo y son ampliamente citados en la literatura especializada de referencia, podemos citar a:

[editar]Jazz y jazz fusion

[editar]Funk y soul

[editar]Pop

[editar]Rock y heavy metal

[editar]Otros estilos

[editar]Fabricantes

Existe una gran cantidad de marcas que comercializan sus instrumentos, desde grandes internacionales que fabrican sus productos en serie hasta pequeños talleres familiares que elaboran sus instrumentos individualmente o por encargo. De entre ellas, algunas de las más conocidas son:171
  • A Basses. USA
  • Alembic. USA
  • Aria. USA
  • BassCulture. Alemania
  • Basslab Guitars. Alemania.
  • B. C. Rich Guitars. USA
  • Burns London. Gran Bretaña.
  • Carvin. USA
  • Carl Thompson Basses. USA.
  • Christof Kost Bass. Alemania.
  • Harvey Citron. USA.
  • Conklin Guitar Company. USA.
  • Cort Guitars. Corea.
  • Curbow String Instruments. USA.
  • Danelectro. USA.
  • Dean Guitars. USA.
  • DeArmond Guitars. USA.
  • Dingwall Designer Guitars. USA
  • Dobro. USA.
  • Elrick Bass Guitars. USA.
  • Epiphone. USA
  • ESP Guitars. USA
  • F Bass - Bajos fabricados a mano. Canadá.
  • Fender. Guitarras, bajos, accesorios y amplificadores. USA.
  • Fernandes Guitars. USA
  • Fodera Guitars Inc. USA
  • G&L Guitars. USA.
  • Gibson. USA
  • Godin/Seagull Guitars. Canadá.
  • Hamer Guitars. USA.
  • Hofner. Alemania.
  • Hot Wire Bass. Alemania
  • Human Base. Alemania.
  • Ibanez. Japón.
  • Ken Smith Basses, LTD. USA
  • Kubicki. USA
  • Lakland Basses. USA.
  • Laurus Basses. Italia.
  • Leduc Guitars and Basses. Francia.
  • Marleaux Bass Guitars. Alemania.
  • Martin Guitar Company. USA.
  • Mike Lull's Guitar Works. USA
  • MTD (Michael Tobias Design). USA.
  • Modulus Guitars. USA.
  • Music Man/Ernie Ball, Inc. USA
  • Neuser Basses. Finlandia.
  • New York Bass Works. USA.
  • NS Design (Ned Steinberger). USA.
  • Overwater Basses. Gran Bretaña
  • Peavey. USA.
  • Pedulla. USA.
  • Rick Turner Guitars. USA
  • Rickenbacker. USA.
  • Ritter Bass Guitars. Alemania.
  • Sadowsky Guitars Ltd. USA.
  • Samick. USA.
  • Sandberg Guitars. Alemania.
  • Schecter Guitar Research. USA.
  • Spector Basses. USA.
  • Steinberger. USA.
  • Vigier Guitars. Francia.
  • Wal Basses. Gran Bretaña.
  • Warrior Instruments. USA.
  • Warwick. Alemania.
  • Washburn Guitars. USA
  • Yamaha Guitars. Japón
  • Zon Guitars. USA.

[editar]Amplificadores y efectos

  • Acoustic Image.
  • Aguilar Amplification. USA.
  • Ampeg. USA.
  • Ashdown Engineering. Gran Bretaña
  • Crate.
  • EBS. Suecia.
  • Eden.
  • Epifani.
  • Gallien-Krueger.
  • Genz Benz. USA
  • Glockenklang. Alemania.
  • Hartke. USA.
  • Hughes and Kettner. Gran Bretaña.
  • Ibanez. Japón
  • Kustom.
  • Labsystems. Australia.
  • Laney Amplification.
  • Marshall. USA.
  • Mesa/Boogie. USA.
  • Music Man Amps. USA.
  • Fender. USA.
  • Orange.
  • SWR.
  • Trace Elliot. Gran Bretaña.

Antepasados del bajo eléctrico

El bajo eléctrico tal y como lo conocemos hoy es un instrumento muy joven, pero sus orígenes se remontan en realidad muy atrás en el tiempo. Frente a los –aproximadamente- 60 años de edad del bajo eléctrico, su más directo antecesor, el Contrabajo cuenta con más de 500.
Viola sin trastes, un antepasado remoto del Bajo eléctrico.
Sin embargo hay algunas evidencias de la existencia de instrumentos parecidos al actual contabajo en el Siglo XV, y la ilustración más antigua conocida de uno de estos instrumentos data de 1516, un instrumento de la familia de la viola, con trastes de tripa y dimensiones ligeramente más reducidas que el contrabajo actual. La mayoría de estas “Viola-bajos” o violones disponían normalmente de seis cuerdas (aunque eran también comunes los bajos de tres cuerdas), usaban diferentes afinaciones y eran de dimensiones variables, desde el tamaño aproximado del cello actual hasta mucho más grandes que el contrabajo.1 El problema fundamental para los luthieres que construían estos bajos era encontrar un material adecuado para las cuerdas, habitualmente de tripa, pues los ejecutantes encontraban grandes dificultades para lograr un sonido claro en las notas graves del diapasón.
Entre los antecedentes del bajo eléctrico que eran tocados en posición vertical se encuentra el Chitarrone o el Theorbo, que, construidos en muy diversas variedades, contaban a veces con dos o más diapasones y un tercero dedicado al registro grave, ya muy similar al bajo eléctrico actual.
El bajo continuo de la música barroca estaba a cargo generalmente del clavicordio, el theorbo y el contrabajo, que ejecutaban normalmente las líneas de bajo al unísono. Sin embargo el volumen siempre ha sido el principal problema que debían resolver los constructores de estos instrumentos, y la estrategia más obvia para afrontarlo era simplemente elaborar instrumentos cada vez más grandes. Así, a principios de 1900,GibsonVega y otras compañías ofrecían en sus catálogos el enorme “Mando-bass”, el más grande miembro de la familia de la mandolina. Otra compañía norteamericana, Regalintrodujo en la década de los 30 su “Bassoguitar”, una enorme guitarra baja acústica de más de un metro y medio de altura, fretless, con escala de 42 pulgadas propia del contrabajo y marcas allí donde debería haber estado los trastes. Dobro introdujo por la misma época un instrumento similar, un versión “king-size” de sus famosas guitarras resonadoras.
Con la aparición de la electricidad los luthieres pronto comenzaron a usarla para resolver los problemas de volumen, y así, a finales de la década de los 30, Gibson construyó su “Electric Bass Guitar”, muy similar al "Bassoguitar" de Regal pero que incorporaba una pastilla magnética para la amplificación del instrumento. Los únicos amplificadores de la época estaban sin embargo diseñados para la Guitarra, y Gibson construyó solamente dos ejemplares de este modelo.
Ya Lloyd Loar, un ingeniero de la Gibson, había tenido una idea similar cuando había construido en 1924 un instrumento pequeño, pero amplificado eléctricamente. Su primer prototipo de Contrabajo eléctrico era muy similar a los contrabajos eléctricos que conocemos hoy día, pero cuando Loar presentó su idea a Gibson, ésta no pareció muy interesada y el ingeniero creó su propia compañía, Vivi-Tone para distribuir éste y otros instrumentos de su invención. Por desgracia no hay evidencia de que la producción de instrumentos Vivi-Tone comenzase jamás, pero Loar es hoy reconocido como el verdadero “inventor” del bajo eléctrico. Durante el resto de la década de los 30 diversas compañías ofrecieron modelos de contrabajos eléctricos, y de entre ellos, quizá el más conocido fuese el “Electro Bass-Viol” de Rickenbacker, que, equipado con las famosas pastillas de herradura típicas de la marca y usando cuerdas de tripa, se vendía con su propio amplificador incorporado, y con el que se llegaron a grabar algunos discos.
Sin embargo el primer bajo eléctrico de la historia, de cuerpo sólido y diseñado para ser ejecutado horizontalmente, fue el construido por Paul Tutmarc,2 un guitarrista de Seattle que, preocupado por los problemas de espacio y transporte de los guitarristas de la época creó su modelo Audiovox Model 736 Electronic Bass, un bajo eléctrico de escala corta, cuatro cuerdas y pastillas magnéticas que fue lanzado al precio de 65 dólares y del cual fueron construidos tan solo unos 100 ejemplares. Existe una gran controversia acerca de si Leo Fenderconocía los instrumentos de Tutmarc o no cuando creo su Precision bass, en 1951, pero no cabe duda que el modelo de Tutmarc era en esencia idéntico a lo que hoy conocemos como un autentico bajo eléctrico.

[editar]Precision Bass

Cuando, en 1951 Leo Fender presentó su Precision Bass no sólo pretendía ofrecer a los contrabajistas un instrumento portátil para facilitarles el transporte, sino también –y sobre todo- ofrecer a los guitarristas (quienes estaban perdiendo rápidamente sus trabajos en las orquestas debido a la rápida disminución de los miembros de las mismas) un instrumento que les permitiera tocar el bajo con la técnica de la guitarra, redoblando de esta manera sus oportunidades de encontrar trabajo. La solución de Fender, que no era músico, pero que siempre había escuchado los problemas de los músicos, consistió en un modelo agrandado de su guitarra Telecaster, con cuerpo de fresno y mástil de arce atornillado. El principal problema que encontró fue encontrar una longitud de escala adecuada para el mástil de su nuevo instrumento, y tras muchos experimentos, adoptó la medida que aún hoy permanece como estándar, esto es, 34 pulgadas. El nombre del instrumento, “Bajo de precisión” fue debido, al menos en parte, a los trastes que incorporaba, que eliminaban los problemas de entonación tan frecuentes en los contrabajistas y -sobre todo- en los guitarristas no habituados al contrabajo.
El primer prototipo usaba clavijas de contabajo y cuerdas de tripa y acero. Dado que el cuerpo era tan pesado, Leo le porporcionó “cuernos” dobles, para facilitar el balance del instrumento (la Telecaster es una guitarra “single cutaway”), un diseño absolutamente original para la época. Incorporaba una pastilla simple , controles de volumen y tono, un apoyador para la mano (pues Leo pensaba que los músicos usarían el pulgar de la mano derecha de modo natural para pulsar las cuerdas) y dos cubiertas cromadas, una sobre la pastilla (que proporcionaba además protección eléctrica) y otra sobre el puente (que incorporaba apagadores de las cuerdas, pues se suponía que el instrumento debía imitar el punch apagado del contrabajo). Fender creó asimismo un amplificador para su nuevo instrumento, el Fender Bassman, que más tarde sería reverenciado por guitarristas de todo el mundo.
Fender Precision Bass.
Sin embargo, cuando el Precision bass fue presentado en 1951 tuvo una acogida más bien fría, pues era visto como un instrumento demasiado radical, que no acababa de cuajar entre los guitarristas y que era considerado por los contrabajistas como poco más que un juguete. Leo Fender, lejos de rendirse ante esta tibia acogida inicial, se dedicó a la promoción activa de su instrumento, frecuentando los locales de conciertos y mostrándoselo a los músicos. Una noche que cambiaría el curso de la historia de la música, Leo se encontraba en un concierto del vibrafonista de jazz Lionel Hampton, y ofreció su Precision al bajista de la banda, Roy Johnson. Hampton se mostró interesado por el nuevo instrumento yFender le dijo que podía quedárselo a cambio de que le diese su número de teléfono a todas las personas que se interesasen por el bajo. Después de un mes de exposición en los conciertos de Hampton, Fender había recibido ya más de 100 encargos del nuevo instrumento. En1951Monk Montgomery (hermano del guitarrista Wes Montgomery) entró a formar parte de la orquesta de Hampton y también él adoptó con entusiasmo el nuevo bajo.3 Montgomery era el primer bajista de renombre que usaba el nuevo Precision, y contribuyó en gran medida a la popularización del instrumento.

[editar]La aceptación del bajo eléctrico

A pesar de los esfuerzos de Fender el Precision Bass era aún poco más que una curiosidad a mitad de la década de los 50, y la gran mayoría de los bajistas usaba aún el contrabajo. Fueron entre los músicos de Rock&Roll, atraídos por el enorme volumen que entregaba el Precision en comparación con el contrabajo acústico, donde el nuevo Precision encontró más aceptación. Jerry Lee Lewis fue uno de los primeros en incorporar el bajo eléctrico en su orquesta, y el mismísimo Elvis Presley convenció al parecer a su bajista Bill Black a usar el nuevo bajo Fender en la banda.4 Después de cierta reluctancia inicial, Black comenzó a usar su Precision tanto en directo como en estudio, lo que proporcionó un enorme empuje al instrumento, dado el éxito increíble de la música de Elvis. Al mismo tiempo otros músicos de otros estilos, como el Blues, el “Surf” y –sobre todo- el Rock, fueron incorporando el bajo Fender en sus bandas. La música popular requería cada vez más volumen, y sólo el bajo eléctrico podía ofrecerlo. Los ojos y los oídos de personas en todo el mundo se estaban acostumbrando poco a poco a la imagen y al sonido del nuevo instrumento.

[editar]Más allá del Precision Bass

Desde mediados de los años 50, motivados por el progresivo éxito de ventas que estaba obteniendo Fender con su Precision Bass, otras compañías compenzaron a proponer sus propios modelos de bajo eléctrico, basados en los principios básicos que Leo Fender había establecido en su Precision pero incorporando nuevas ideas; así Nathan Daniel de Danelectropresentó en 1956 su “Danelectro UB2”, un instrumento de seis cuerdas y escala corta afinado una octava más grave que la guitarra estándar; y Roger Rossmeisl, de Rickenbackerpresentó en 1957 su “Model 4000”, primer bajo eléctrico de la historia de mástil a través del cuerpo, cuyas verdaderas posibilidades tardarían años an apreciarse realmente.5
Fender Jazz Bass American Deluxe.
En 1960, Fender presentó su segundo modelo de bajo eléctrico, el Fender Jazz Bass un modelo de dos pastillas, cuerpo asimétrico y mástil ligeramente más estrecho que era considerado como el modelo “Deluxe” del Precision y cuyo nombre derivaba del modelo de la guitarra hermana del bajo, la FenderJazz Master. Este modelo fue rápidamente adoptado por importantes músicos de sesión, como Joe Osborne quienes, junto a Carol Kaye o Max Bennetestaban ya experimentando con las nuevas posibilidades de ejecución que les ofrecía el nuevo instrumento, más ágil y más versátil que su hermano acústico. La función del bajo eléctrico comenzaba a definirse, y sus enormes posibilidades iniciaban a ser exploradas.
Por esa época, en el año 1966, Leo Fender diseñó un nuevo bajo eléctrico, el Mustang Bass. Ese sería su último diseño en la compañía antes de su salida definitiva en 1970. Este bajo era de un cuerpo idéntico a la guitarra Mustang y era de corta escala y cómodo para tocar, lo que facilitaba el ingreso de músicos novatos al mundo del bájo eléctrico.

[editar]James Jamerson

Sin embargo, el verdadero “padre” del bajo eléctrico tal y como lo conocemos hoy fue sin duda James Jamerson.,6 un oscuro y genial músico de sesión que, trabajando para la Motown con la banda de sesión The Funk Brothers, responsable de cientos de hits de Funk y de Soul (“The Funk Brothers” había grabado con virtualmente todos los artistas negros de la época, como Stevie WonderMarvin GayeJames BrownAretha Franklin o Diana Ross) contribuyó como nadie lo había hecho hasta entonces a descubrir y popularizar las verdaderas posibilidades que escondía el bajo eléctrico. Alejándose de los “clichés” de los bajistas de su época, Jamerson abrío un enorme número de nuevas vías musicales en el pop, usando técnicas de todo tipo que hasta entonces habían permanecido inéditas -pasajes cromáticos, walking bass, síncopas, líneas melódicas- que eran exlusivas y definitorias del nuevo instrumento. James Jamerson fue enormemente influyente en la historia del bajo eléctrico y con su enorme talento definió prácticamente en solitario el papel que el bajo eléctrico podía jugar en la banda. Tras él –y a veces contemporáneamente- emergio, una segunda generación de bajistas que exploraron y profundizaron en los caminos abiertos por Jamerson; entre ellos podemos destacar a Chuck RaineyDonald “Duck” DunnTommy Cogbill,Jerry Jemmott, y sobre todo, por su enorme éxito e influencia, Paul McCartney, el bajista de los Beatles

[editar]Paul McCartney

Si James Jamerson descubrió al mundo que el bajo eléctrico ofrecía posibilidades creativas únicas, Paul McCartney fue el encargado de asegurar que todo el mundo había entendido el mensaje. El estilo de McCartney –el primer bajista de renombre que no usaba un bajo Fender- comenzó a definirse y desarrollarse a mediados de la década de los 60, cuando Paul descubrió a Jamerson en las grabaciones de la Motown (si bien ignoraba de quien se trataba, pues los discos de la Motown no incluían los nombres de los músicos de sesión) y comenzó a explorar las posibilidades melódicas del instrumento en las canciones de su grupo. Con un gran talento para la melodía y una enorme capacidad creativa, McCartney fue además un gran experimentador, y el enorme éxito de los Beatles sacó definitivamente al bajo eléctrico de su relegada posición de segundo plano. Después de él ya todos sabían que existía una cosa llamada “bajo eléctrico”.

[editar]La era del rock

A finales de los 60, con el bajo eléctrico ya plenamente integrado en los escenarios musicales de todo el mundo, surgieron una enorme cantidad de bajistas tras la estela de James Jamerson y Paul McCartney que habían descubierto en el bajo eléctrico un territorio prácticamente sin explorar. La llegada del Rock trajo consigo nuevas necesidades de volumen y de sonido que llevó al desarrollo de nuevos sistemas de amplificación (Véase Ampeg). Músicos que han contribuido de una forma u otra al desarrollo del instrumento han sido John Entwistle
John Entwistle.
de The Who, para quien la firma Rotosound desarrolló las primeras cuerdas “roundwound” (entorchadas) de la historia, John Paul Jones, de Led Zeppelin,Chris Squire, de Yes, o Jack Bruce, de Cream.

[editar]La era HI-FI

A finales de los 60 la banda psicodélica Grateful Dead estaba empeñada en desarrollar nuevos sistemas de amplificación para modificar el sonido de la banda. Su bajista, Phil Lesh, obsesionado con encontrar un sonido más articulado, encargó a Ron Wickersham una serie de mejoras en la eléctrónica de su “Guild Starfire”. El momento en que Wickersham se asoció con el luthier Rick Turner para trabajar para la banda señaló el nacimiento de una compañía que cambiaría para siempre la historia del bajo eléctrico: Alembic.
Hasta entonces el bajo eléctrico había sido un instrumento utilitario fabricado en serie, pero la compañía cambió radicalmente este concepto, aportando la idea del “Bajo boutique”, de precio elevadísimo, sofisticado diseño y complicada electrónica. Además la firma fue la creadora del primer bajo con circuitería activa de la historia7 Para más información sobre otras aportaciones de la compañía, véase Alembic

[editar]Otras técnicas, slap, funk, funk jazz y fusion

Cuando Leo Fender diseñó su Precision Bass daba por sentado que los músicos pulsarían las cuerdas con el pulgar de la mano derecha; Así lo habían hecho, en efecto, los primeros músicos en adoptar el instrumento, como Monk Montgomery, pero cuando guitarristas como Carol Kaye o Joe Osborn comenzaron a usarlo, escogieron la púa, que además le ofrecía una claridad de sonido sin precedentes en el estudio de grabación. Sin embargo la mayoría de los músicos que escogían el bajo eléctrico y que venían del contrabajo usaban una técnica alternativa: pulsaban las cuerdas con los dedos índice y medio de la mando derecha, imitando la técnica de pizzicato propia del contrabajo. A finales de los 60, el bajista Larry Graham, para compensar la pérdida del batería en la banda en que trabajaba, comenzó a golpear las cuerdas graves con el pulgar y pellizcar las agudas con el índice, una técnica que él denominaba “thumping and plucking” y con la que obtenía un sonido percusivo con el que pretendía compensar en parte la falta de la batería.8 Paralelamente, esta técnica de slap fue desarrollada por el bajista de sesión Louis Johnson, y eventualmente fue adoptada por Stanley Clarke y popularizada en su disco de 1974 “Stanley Clarke”, un disco que demostraba por primera vez que un bajista eléctrico podía ser líder de su propia banda, y que mostraba todo el artenal técnicamente virtuosístico de Clarke en el bajo eléctrico.
Stanley Clarke con el teclista George Duke.
Aunque la técnica del slap es particularmente frecuente entre los bajistas de Funk, merece la pena mencionar a dos músicos que han desarrollado un influyente lenguaje en el estilo sin haber usado jamás la técnica del slap: Francis "Rocco" Prestia, de Tower of Power y Verdine White, de Earth Wind and Fire. Y por supuesto, existe un tercero, pero merece un apartado:

[editar]Jaco Pastorius

Cuando Jaco Pastorius se autoproclamaba “El mejor bajista del mundo” no estaba, probablemente, demasiado lejos de la verdad. Jaco era un bajista eléctrico “puro”, pues, al contrario que Stanley Clarke no venía de una formación clásica en el contrabajo, sino de la batería, su primer instrumento.
Jaco Pastorius.
Su decisión de tocar el bajo eléctrico, vino, de hecho motivada por una lesión que sufrió de joven y que le impidió continuar tocando la batería. En tan solo un par de años, Jaco consiguió una tremenda notoriedad entre los músicos locales por el gran nivel de su técnica, pero esto no lo satisfacía, y se propuso demostrar a todos que las limitaciones técnicas que imponía el bajo eran tan sólo aparentes; lo elevó de categoría, inventando numerosas técnicas –armónicos, armónicos artificiales-, ejecutando con una facilidad pasmosa solos de altísimo nivel técnico que eran absolutamente inalcanzables para otros bajistas de la época, y obteniendo de su Jazz Bass del ‘62, al que él mismo había arrancado los trastes, un sonido y una musicalidad únicas y –posteriormente- imitadas hasta la saciedad.
Jaco es sin ninguna duda el bajista más influyente de la historia y el mayor revolucionario en la historia del instrumento, pero en sus notas podemos oír también las remembranzas melódicas del gran contrabajista de Jazz Scott LaFaro, la técnica de semicorcheas de Francis "Rocco" Prestia, la sofisticación armónica de James Jamerson, el feeling soul-funky de Jerry Jemmot, o la complejidad técnica de los solos Bebop deCharlie Parker.

[editar]Nuevos bajos y nuevos materiales

Tradicionalmente se atribuye al luthier Carl Thompson la construcción del primer bajo de 6 cuerdas de la historia, que realizó en 1975 paraAnthony Jackson, a quien, escuchando las líneas de bajo del organista de Jazz Jimmy Smith, se le ocurrió la idea de un bajo eléctrico de rango extendido, un bajo de seis cuerdas afinado BEADGC. El virtuoso Jimmy Johnson ya utilizaba bajo de cinco cuerdas un año más tarde, con afinación BEADG y fabricado por Alembic, mientras Jackson continuaba sus experimentos, primero con el constructor Ken Smith y luego con Vinnie Fodera, porque no estaba satisfecho con los resultados. La popularización de los bajos de cinco y seis cuerdas llegaría en los años 80, con músicos como el propio Jackson o John Patitucci y compañías comoYamaha, una de las primeras en ofrecer un bajo de cinco cuerdas de serie, su modelo “BB5000” de 1987. La propia Fender, que había establecido el estándar en el bajo eléctrico tardaría años en ofrecer modelos de 5 y 6 cuerdas, pero este vacío lo ocuparían luthieres como Roger Sadowsky o Mike Lull, que ofrecerían copias muy mejoradas de bajos Fender, a menudo con 5 o más cuerdas. Mientras tanto aparecían nuevas compañías orientales de fabricación de bajos que, ofreciendo en un principio copias de baja calidad de instrumentos clásicos norteamericanos, no tardaron en iniciar sus propias líneas de producto que, poco a poco, irían ganando un merecido prestigio por la calidad de sus instrumentos. Entre ellas cabe citar a las japonesas YamahaAria o Ibanez. En Europa, donde la tradición de luthería era mucho más fuerte, distintas empresas de fabricación de instrumentos clásicos habían ido adaptándose durante toda la mitad del siglo a la nueva demanda de instrumentos eléctricos, como la alemana Framus (que posteriormente se convertiría en Warwick, pero también aparecían por doquier nuevas firmas especializadas en la construcción de instrumentos eléctricos. Al mismo tiempo, en los Estados Unidos se iniciaba la investigación en la creación de instrumentos con nuevos materiales alternativos a la madera, como el grafito. Entre las compañías pioneras en este campo podemos citar a ModulusAlembic o Steinberger

[editar]Finales de los 70

Con la llegada de la música Disco, especialmente generosa en lo que respecta al bajo, y la popularización del Reggae y de la Fusión, el bajo eléctrico conoció nuevos territorios, adaptándose a las exigencias de las nuevas músicas al tiempo que definía sus características. Músicos destacables de este período son Bernard Edwards, de ChicRobbie Shakespeare, de Peter ToshAston “Family Man” Barrett, de Bob MarleyPaul Jackson con los Headhunters de Herbie Hancock o el genial Steve Swallow, con Carla Bley

[editar]Los 80: nuevos virtuosos y nuevas estrellas

Marcus Miller.
La década de los 80 ha visto una explosión sin precedentes de bajistas de todo género que han continuado la exploración del instrumento: Entre los bajistas virtuosos del instrumento, continuadores de las enseñanzas de Jaco Pastorius y Stanley Clarke debemos citar a Marcus MillerJeff BerlinJohn PatitucciVictor BaileyWill LeeMark EganGary WillisDarryl Jones o, en el mundo del Heavy MetalBilly Sheehan, o Cliff Burton.
Otros bajistas que han contribuido a la popularización del bajo eléctrico en esta década han sido Sting de The PoliceGeddy Lee de RushFleade Red Hot Chilli PeppersSteve Harris, de Iron Maiden, o Paul Simonon de The Clash.

[editar]De los 90 en adelante

Junto a la aparición de numerosísimos nuevos virtuosos del instrumento, como Stuart HammMichael ManringVictor WootenMatthew Garrison,Richard BonaOteil Burbridge o Brian Broomberg, en años recientes se ha experimentado una contrarevolución hacia las formas más básicas de expresión musical que ha afectado también a la construcción y filosofía de ventas de los instrumentos: un revival de instrumentos y música “vintage” que en parte se deriva del agotamiento de los formulismos virtuosísticos propios de la década anterior, y en parte de la toma de conciencia por parte de numerosos músicos del valor de la simplicidad en los instrumentos.
Sesenta años más tarde de su creación, el diseño original de Leo Fender, el Precision Bass, es más valido que nunca.

Bajo sin trastes

El bajo sin trastes, o bajo "fretless" ("fretless bass" en inglés) es un bajo eléctrico o acústico construido a la manera tradicional cuyo diapasón, sin embargo, no cuenta con los trastes característicos de este tipo de instrumentos.
Aparecido a mediados de los sesenta y popularizado sobre todo por el bajista Jaco Pastorius por esa época, el bajo sin trastes es hoy muy popular entre los músicos de JazzFunk yR&B, que aprecian sus particulares características de sonido, su similitud con el contrabajo tradicional y sus mayores posibilidades de expresión frente al bajo eléctrico tradicional.

Características

El bajo "fretless" no está limitado, como el bajo eléctrico tradicional, al uso de la escala cromática de doce tonos temperados característica de la música occidental, lo que le proporciona por un lado mayores posibilidades expresivas, y por otro, aumenta la dificultad de su ejecución. Frente al bajo eléctrico tradicional, el bajo fretless brinda un sonido más suave y natural, con un ataque mucho menos definido, pues la cuerda transmite su vibración directamente a la madera del diapasón, en lugar de a un traste metálico, y los dedos del ejecutante pueden transmitir el vibrato con mucha mayor naturalidad.
Bajo Fretless.
Precisamente por estos motivos, la ejecución del bajo fretless requiere mucha mayor atención y entrenamiento, pues la necesidad de pulsar la cuerda en el lugar exacto aumenta notablemente la dificultad de afinación. Como ocurre con los instrumentos de cuerda clásicos (violínviolacello y contrabajo), el ejecutante del bajo fretless debe desarrollar especialmente su oído, que será quien dicte la posición exacta de los dedos sobre el diapasón. Para facilitar esta tarea, existen diversos modelos de bajos "fretless" que cuentan con marcas sobre el diapasón allí donde normalmente se encontrarían los trastes, una variedad denominada en inglés "lined fretless basses"
En la construcción de un bajo "fretless" se emplean normalmente maderas duras, como el ébano, y cuerdas planas, con el objetivo de reducir al mínimo el abrasamiento del diapasón al contacto continuo con la cuerda. Frecuentemente además, se usan revestimientos con materiales plásticos -tipo epoxy- en el diapasón, con el mismo objetivo.
Excepto por la ausencia de trastes, y las características de las maderas del diapasón, un bajo "fretless" no se diferencia en absoluto de un bajo eléctrico estándard o "fretted bass" (véase bajo eléctrico).

[editar]Historia

Si nos atenemos a su historia, el bajo sin trastes es un instrumento paradójico por naturaleza. Siendo un bajo eléctrico, pertenece a la familia de la guitarra, pero el hecho de carecer de trastes lo acerca más -en cuanto a la técnica requerida- a la familia de los instrumentos sin trastes de cuerda frotada, como elviolín o el contrabajo. Sin embargo, el bajo "fretless" apareció históricamente mucho más tarde que su contrapartida con trastes, el Precision Bass, llamado así precisamente porque favorecía la precisión en la ejecución, al incorporar trastes como los de la guitarra (véase Historia del Bajo Eléctrico). El bajo sin trastes es pues una especie de híbrido entre el contrabajo y el bajo eléctrico que, paradójicamente, "traiciona" la naturaleza "precisa" de éste último.
Se atribuye a Bill Wyman, bajista de los Rolling Stones, el honor de haber sido el primer músico conocido que usó un bajo fretless en público. Wyman había comenzado con la guitarra, y cuando adquirió su primer bajo eléctrico en 1961, de fabricación japonesa y escasa calidad, no tardó en efectuar algunas modificaciones, entre otras cosas, eliminar los trastes con la intención de sustituirlos por otros de mejor calidad. Sin embargo, cuando Wyman intentó recolocar los trastes, encontró ciertas dificultades e intentó tocarlo usando las marcas que habían dejado los trastes como guías. Bill Wyman acabó usando este instrumento en numerosos conciertos con los Stones y grabando varios discos con él.
En 1966 la compañía Ampeg presentó el primer bajo fretless fabricado en serie de la historia, el modelo Ampeg AUB-1, que usaría Rick Danko de The Band en varias grabaciones de la banda. Fender tardaría todavía algún tiempo en ofrecer un modelo sin trastes en su catálogo, lo que finalmente ocurriría en 1970 con una version sin trastes de su famoso Precision (lo que no dejaba de resultar irónico, puesto que el nombre del Precision se derivaba de su diapasón con trastes).

[editar]Jaco Pastorius

Otros bajistas fueron incorporando el nuevo instrumento en su arsenal, entre los que cabe destacar, por ejemplo, a Ralphe Armstrong de la Mahavishnu Orchestra, pero el bajo fretless era aún un instrumento marginal que esperaba una revolución. Fue Jaco Pastorius quien, a mediados de los '70, se encargó de redefinir las bases del instrumento, revolucionando de paso el papel del bajo eléctrico en la música moderna. Pastorius estableció un estándar funcional y de sonido para el instrumento que permanece intacto aún hoy día.
Jaco Pastorius.
Para más información véanse los artículos Historia del Bajo Eléctrico y Jaco Pastorius

[editar]Principales exponentes

Después de Pastorius, surgió toda una serie de bajistas que ampliaron el territorio recién descubierto por Jaco. Entre los innovadores y virtuosos del bajo "fretless" que han hecho del instrumento su principal medio de expresión podemos citar, entre otros a: Mark Egan discípulo de Pastorius y bajista original del Pat Metheny GroupPino Palladino, bajista de sesión británico legendario por su afinación casi perfecta y que popularizó el sonido del fretless en el pop de los años 80; el virtuoso francés Bunny Brunel, con Chick CoreaGary Willis, de Tribal Tech;y Michael Manring, también discípulo de Pastorius, famoso por sus experimentos con afinaciones alternativas.
Entre los especialistas hispanos del bajo eléctrico podemos destacar al español Carles Benavent, verdadero padre del bajo flamenco y al argentino Pedro Aznar, que entre sus muchas colaboraciones cuenta con su paso por el Pat Metheny Group

Bajo de rango extendido

Se denomina bajo de rango extendido a todo aquel instrumento que cuenta con un número de cuerdas superior a las cuatro empleadas usualmente en la construcción de bajos eléctricos. No se consideran bajos de rango extendido aquellos instrumentos que, aún contando con un número de cuerdas mayor que cuatro, no amplían el rango estándar del instrumento, como sucede por ejemplo con instrumentos de ocho cuerdas dobles o doce cuerdas triples.

Características técnicas

El bajo de cinco cuerdas es sin duda el más común entre los instrumentos de rango extendido. La afinación más usual en este tipo de bajos, Si-Mi-La-Re-Sol, proporciona cinco notas extra en la tesitura grave del instrumento, y es muy popular en bajistas de todos los géneros. Menos común es la práctica de afinar el instrumento en Mi-La-Re-Sol-Do, reservada casi siempre a los artistas de jazz y solistas del instrumento, pues elimina en gran medida la necesidad de cambiar constantemente la posición de la mano izquierda durante los solos. En uno u otro caso, la adición de una cuerda extra proporciona al músico el acceso a un mayor número de notas para cualquier posición.
El bajo de cinco cuerdas rivaliza con el bajo estándar de cuatro cuerdas en cuanto a popularidad, y es muy usado en estudio por músicos de sesión que aprecian su mayor versatilidad. Además, muchos bajistas le encuentran más cómodo en su ejecución por estar las cuerdas mas cerca entre si, en comparacion al bajo de cuatro cuerdas.
El bajo de seis cuerdas, cuenta normalmente con una afinación Si-Mi-La-Re-Sol-Do, expandiendo el rango del instrumento tanto en la tesitura grave como en la aguda, pero existen afinaciones alternativas, como Si-Mi-La-Re-Sol-Si o incluso Mi-La-Re-Sol-Si-Mi, que corresponde exactamente a la afinación usada en la guitarra, dos octavas por debajo.
Washburn XB600, bajo de seis cuerdas.
Por las dimensiones del mástil ,necesariamente más grueso para acomodar las cuerdas extra, el "tacto" del bajo de seis cuerdas se aleja notablemente del de cuatro cuerdas, y por este motivo muchos bajistas acostumbrados al bajo estándar, lo encuentran incómodo. Sin embargo, por sus mayores posibilidades respecto al bajo de cuatro cuerdas, es muy usado por bajistas de sesión y solistas de jazz que buscan mayor versatilidad en un solo instrumento.
Los bajos de siete o más cuerdas juegan todavía un papel muy marginal entre aficionados y profesionales, y presentan muy diversas variedades de afinación. El primer bajo de siete cuerdas fue construido por Michael Tobias para Garry Goodman en 1987, y su afinación era Si-Mi-La-Re-Sol-Do-Fa. Hoy encontramos incluso marcas especializadas en la construcción de este tipo de bajos, como la norteamericana Conklin, que ofrece en su catálogo instrumentos de 8 ó 9 cuerdas de serie. En el año 2005, el luthier norteamericano Michael Adler completó la construcción del primer bajo eléctrico de 12 cuerdas de diferente afinación, con un rango equivalente al de un piano de cola. Años antes Jol Dantzig había desarrollado un bajo de doce cuerdas, pero éste era en realidad un bajo de cuatro con cada cuerda replicada dos veces.1
Mención aparte (pues no entran en la categoría de bajos de rango extendido) merecen los bajos piccolo y tenor, instrumentos de cuatro cuerdas y construcción estandard con una afinación (variable) más aguda que la del bajo normal; Instrumentos híbridos entre el bajo y la guitarra; Instrumentos con un número de trastes mayor de 24; bajos con detuners como el "Hipshot", que, instalados sobre el instrumento, proporcionan una o dos notas extra sin alterar su estructura; o, desde una óptica opuesta, bajos de tres, dos o incluso una sola cuerda (referencias)

[editar]Historia

Mucho antes de la invención del bajo eléctrico eran comunes los bajos con cinco o más cuerdas (véase Historia del Bajo Eléctrico). Pero cuando Paul Tutmarc, y después, Leo Fenderpresentaron sus primeros bajos eléctricos de cuerpo macizo, decidieron dotarlo de las cuatro cuerdas características del instrumento cuya función debía sustituir, el contrabajo.
En 1956, cinco años después de la presentación del Precision Bass de FenderDanelectro presentó un bajo eléctrico muy diferente al Precision de Fender, su modelo UB2 de seis cuerdas, que en realidad no era más que una guitarra afinada una octava más grave de lo normal. Este instrumento jugaría un importante papel en los estudios de Nashville, pues sería utilizado masivamente para grabar las líneas de bajo al unísono con el contrabajo, una técnica que se llamaría tic-tac.
El UB2 de Danelectro tuvo tanto éxito que motivó a la propia Fender a presentar su propia versión en 1962, el modelo Bass VI, que, a pesar de haber sido publicitado por Jack Bruce, quien lo usó con Cream por unos años, no lograría el éxito esperado por Fender y desaparecería tras unos años.
En 1966 Fender tuvo una idea diferente presentando el primer bajo eléctrico de cinco cuerdas de la historia, llamado, precisamente Fender Bass V. El bajo tenía una escala estándar de 34 pulgadas y cinco cuerdas, afinadas Mi-La-Re-Sol-Do, pero contaba con tan sólo 15 trastes y no ampliaba, técnicamente, el rango del instrumento, sino que eliminaba la necesidad de ciertos cambios de posición al ejecutar pasajes en la tesitura aguda. James Jamerson poseía un ejemplar y parece ser que lo usó en estudio en alguna ocasión, pero el instrumento resultó un fracaso de ventas y fue retirado enseguida del catáalogo de Fender.
Pasarían unos diez años hasta que la idea de un bajo eléctrico de cinco cuerdas no volvió a aparecer, y fue el bajista de sesión y virtuoso Jimmy Johnson el encargado de materializarla.
Johnson había descubierto la firma Alembic a principios de la década de los '70, y la filosofía misma de la marca, primera en la historia en ofrecer bajos "custom" (a medida), excitó su curiosidad: su padre era un contrabajista de formación clásica y usaba habitualmente un extensor (de uso común en orquestas clásicas) que proporcionaba a su instrumento un par de notas extra cuando la partitura lo requería. En un principio, Johnson tuvo la idea de aplicar un dispositivo similar a su Alembic de cuatro cuerdas (una idea que, diez años más tarde, recuperarían Kubicki y Hipshot), pero abandonó la idea por las dificultades técnicas que implicaba. Cuando su padre le hizo notar que muchos contrabajistas clásicos usaban contrabajos de cinco cuerdas (con una cuerda Si grave extra) para obtener el mismo resultado, Johnson empezó a considerar la idea de construírse un bajo de cinco cuerdas con afinación Si-Mi-La-Re-Sol y encargó el proyecto finalmente a Alembic, que le entregaría el primer bajo eléctrico moderno de cinco cuerdas de la historia en 1976
Paralelamente, otro bajista de sesión norteamericano se estaba moviendo en este terreno; Anthony Jackson, encargó al luthier Carl Thompson la construcción de un bajo eléctrico de seis cuerdas en 1974, y éste, a pesar de sus iniciales reticencias (pues pensaba que una idea así era ridícula), acabó entregándoselo un año más tarde. Jackson lo usaría en diferentes grabaciones, pero no acababa de resultar satisfecho con los resultados de su nuevo instrumento (por el que había pagado a Thompson 2.000$ frente a los aproximadamente 350$ de los Fender de la época), en parte por la separación de las cuerdas, demasiado reducida para el gusto de Jackson.
Anthony Jackson con su Fodera Presentation Bass.

Carl Thompson recibió un segundo encargo del bajista, un enorme prototipo de 44 pulgadas de escala (la dimensión estándar del contrabajo), que resultó un fracaso aún mayor, por lo que Jackon abandonó momentáneamente la idea para volver a usar su Jazz Bass de cuatro cuerdas, en el que usaba frecuentemente afinaciones alternativas para lograr notas imposibles de obtener de otro modo.
La idea, sin embargo, seguía rondando la cabeza de Anthony Jackson, y en 1980 encargó a Ken Smith un nuevo instrumento de seis cuerdas, esta vez con una separación mayor entre las mismas. En 1982 Jackson abandonó casi por completo su Jazz Bass, para utilizar el Ken Smith casi en exclusiva, y en 1984 encargó a Smith un nuevo instrumento, esta vez, con una separación de cuerdas estándard. La enorme anchura del diapasón, inédita en la época, no asustó a Jackson, para quien el instrumento parecía funcionar a la perfección.
En el taller de Smith, Jackson había conocido al luthier Vinnie Fodera, que en la época trabajaba para Smith. Cuando Fodera se estableció por su cuenta, Jackson (para quien Fodera había construido ya cuatro instrumentos) comenzó a colaborar más estrechamente con el luthier. Fodera construiría una decena de instrumentos para Jackson, entre ellos el modelo "Presentation", el primer bajo "single cutaway" (de un solo cuerno) de la historia.
Anthony Jackson se destaca por dar voz a aquellos que piensan que el bajo eléctrico debe disponer de 6 cuerdas, porque, por un lado, pertenece a la familia de la guitarra (es, literalmente una "guitarra baja", esto es, una guitarra que usa una afinación más grave de lo usual), y por otro, porque el hecho de que tenga solo cuatro se debe -según Jackson- tan solo a una cuestión de marketing (véase: Anthony Jackson)
Tras Anthony Jackson surgieron multitud de músicos que, entusiasmados por los logros de éste último, comenzaron a explorar el nuevo territorio y a establecer el nuevo lenguaje que el instrumento posibilitaba. De entre ellos cabe quizá destacar a John Patitucci, que además de ser uno de los primeros músicos con un dominio técnico absoluto tanto del bajo eléctricocomo del contrabajo, ha contribuido como pocos a la popularización del nuevo instrumento desde mediados de los años '80, en parte por su enorme talento, y en parte por la posición privilegiada y muy visible que siempre ha gozado junto al pianista Chick Corea.
Durante el resto de la década de los '70 y buena parte de los '80, los bajos de cinco y seis cuerdas jugaban un papel más bien marginal entre las preferencias de los músicos y aficionados, pero cuando en 1987 Yamaha lanzó su serie BB5000, uno de los primeros modelos de cinco cuerdas fabricados en serie, inauguró una tendencia que desde entonces no ha hecho más que ampliarse. Hoy prácticamente todas las firmas ofrecen en sus catálogos modelos de cinco (o más) cuerdas, y el bajo de rango extendido es hoy, gracias al trabajo de pioneros como Jimmy JohnsonAnthony Jackson o John Patitucci, un instrumento maduro y perfectamente aceptado.

Contrabajo

El contrabajo es un instrumento musical de la familia de los cordófonos por frotación o de arco, de voluminoso tamaño por ser el que produce los sonidos más graves.
Contrabajo.
Clavijero.
Puente y cordal.
Detalle del alma.
Tiene generalmente cuatro cuerdas, que, al contrario de los otros instrumentos de su familia -como el violín o la viola que poseen cuerdas afinadas por quintas ascendentes-, se afinan por cuartas ascendentes (mi-la-re-sol, desde la 4ª cuerda, más grave, a la 1ª, más aguda), aunque también los hay de cinco, en los que la quinta cuerda se afina en un do o si más grave que la cuarta cuerda.

Descripción

Es el segundo mayor y más grave de los instrumentos cordófonos, superado solo por el octabajo, el cual da sonidos dos octavas más bajos que el contrabajo. Por eso, hasta tiempos relativamente recientes, muy pocas veces se usaba como solista. El primer contrabajista virtuoso fue Domenico Dragonetti.
Su sonido se produce por la vibración de las cuerdas al ser frotadas con un arco, aunque puede también producirse pulsándolas con las yemas de los dedos, al modo del bajo eléctrico o el tololoche, técnica que recibe el nombre de pizzicato o pellizco.

[editar]Historia

Sus orígenes se remontan al siglo XVI, época en la que ya existía un instrumento llamado violone del cual parece derivar. Sin embargo, hasta el siglo XIX no adoptó la forma y las características actuales, una combinación de elementos propios del violín y de la viola da gamba. También durante ese siglo se incorporó definitivamente a la orquesta, en la que desempeñaba un papel secundario: se limitaba a reforzar la parte delviolonchelo. Las dificultades de la interpretación derivadas de su gran envergadura limitaron su salto a los escenarios. A pesar de todo, a finales del siglo XVIII y durante todo el siglo siguiente algunos compositores depositaron su confianza en el instrumento, que se fue ganando el respeto de músicos y del público. Hubo que esperar a la segunda mitad del siglo XX para asistir al verdadero auge del contrabajo de la mano de instrumentistas, pedagogos y, sobre todo, del jazz, que brindó la oportunidad de lucirse en solitario y posibilitó la adopción de nuevas técnicas interpretativas.

[editar]Origen

El origen del contrabajo, el mayor miembro de la familia de la cuerda frotada ha suscitado enardecidas discusiones entre los expertos. No existe unanimidad cuando se trata de decidir de qué instrumento deriva, aunque sí está claro que a partir del siglo XVIII adquirió entidad propia dentro del grupo de las cuerdas. Sin embargo, su emancipación en el ámbito musical puede considerarse ciertamente tardía en relación a otros instrumentos. Quizá todo ello se deba al hecho que, inicialmente, forma, tamaño, afinación y arco –es decir, los rasgos que lo definían- eran variables. La viola da gamba, la silueta del violonchelo o la característica forma de pera constituían algunos de los modelos tipo en los que los luthiers se inspiraban para su construcción. El contrabajo puede definirse como el segundo instrumento más grave de la familia de los violines, aunque presenta notables diferencias en relación a ellos.
Su origen se remonta al siglo XVI y fue una evolución de la viola da gamba y del violone bajo. Su gran tamaño, por aquel entonces mayor que el actual, lo dejó al margen del cuarteto de cuerda, formado por dos violines, una viola y un violonchelo. Hay quien afirma que el contrabajo no puede considerarse un verdadero miembro de la familia del violín. Y es que a finales del siglo XV su forma era la del violone a corde, el miembro más grande de la familia de la viola, que tenía unas dieciséis cuerdas. A mediados del siglo siguiente, un intermedio florentino compuesto por Stiggio y Corteggia dedicaba una de sus partes a un “sotto basso di viola”, sin que pueda afirmarse si se trataba de un solo de contrabajo de viola da braccio o de viola da gamba.
A principios del siglo XVII, el musicólogo Michael Praetorius describió un instrumento de cinco cuerdas llamado violone. También conocido como contrabajo de viola da gamba o contrabajo de violón, parece ser el antecedente inmediato del contrabajo actual. La afinación de este enorme prototipo, que medía más de dos metros, era similar a la del contrabajo actual. Los sonidos que producía eran una octava inferior a los que el intérprete leía en la partitura, particularidad que se ha mantenido hasta hoy.
Así pues, puede afirmarse que el contrabajo deriva de una combinación de elementos propios del violín y de la viola da gamba. Del primero conserva, entre otros, las características aberturas de resonancia en forma de “f”, la inclinación hacia atrás del mango, el número de cuerdas –generalmente cuatro- y la terminación en voluta del clavijero. De la viola da gamba, el contrabajo ha heredado el cuerpo con ángulos discretos, el adelgazamiento central y los hombros caídos.
Las características físicas que ha presentado históricamente el contrabajo no se reducen únicamente a las propias de la evolución temporal. Su procedencia geográfica ha marcado la existencia de diversos modelos que todavía perviven. En general, puede afirmarse que en Alemaniase adaptó la silueta de la viola a la construcción del contrabajo. El resultado fue un instrumento con los hombros del casco sesgados y el fondo plano. En Italia, en cambio, se construyeron numerosos ejemplares con esquinas propias del violín y fondo curvo, a pesar de que siguió manteniendo la silueta de las violas. Los contrabajos de los siglos XVI y XVII poseían habitualmente cuatro o cinco cuerdas, aunque en ocasiones podían llegar a tener seis. No fue hasta mediados del XVIII, en que finalmente se estableció la afición por cuartas, que el contrabajo sucedió de forma definitiva a los violones y violas da gambas. A pesar de ello, los compositores no le prestaron demasiada atención durante esos siglos y en muchas obras, como las sinfonias (hasta mediados del clasicismo), se limitaba a imitar la parte del chelo, doblándola a la octava grave. Su gran tamaño, así como las gruesas cuerdas de tripa, lo hacían poco manejable. Estas cuerdas daban un sonido profundo y estaban enrolladas en el clavijero, que entonces era de madera de ébano. Posteriormente, la inclusión de cuerdas más finas hizo posible la reducción del cuerpo del instrumento y, por consiguiente, facilitó la interpretación.
La situación del contrabajo en el ámbito musical del siglo XVIII distaba mucho de ser satisfactoria. Esta agonía se prolongó hasta la entrada en escena de Domenico Dragonetti (1763-1846), que promovió su inclusión definitiva en la orquesta y se convirtió en el primer virtuoso. Pese a sus enormes logros, el italiano no consiguió ver en vida cómo el contrabajo se independizaba progresivamente del chelo en las composiciones para orquesta, aunque sí pudo asistir a la proliferación de sonatas, dúos y tríos específicos para contrabajo (Dúo para viola y contrabajo de Sperger, Trío para violín, viola y contrabajo de Haydn).
Durante los siglos XVIII y XIX el instrumento ganó notoriedad en los salones de conciertos de las principales capitales europeas y pasó a ocupar definitivamente un lugar destacado en el ámbito musical gracias a las innovaciones en la orquestación llevadas a cabo por BeethovenWagnerTchaikovsky, cuyas composiciones le concedieron un mayor lirismo a este instrumento. En 1839Achile Gouffe llevó el contrabajo a la Ópera de París, escribió el primer método para el instrumento –cuyo número de cuerdas se había fijado en cuatro- e introdujo notables innovaciones tanto en el contrabajo propiamente dicho como en la forma del arco.
En los siglos XVIII y XIX coexistieron tres bajos de cuerda (a menudo afinados en la2, re3 y sol3), que sobreviven en la música folclórica de la Europa del este. Los antiguos bajos de los siglos XVI y XVII tenían cuatro o cinco cuerdas (excepcionalmente seis). Las orquestas de baile modernas añaden una cuerda aguda a los contrabajos, afinada en do3. Hasta el siglo XIX los contrabajistas usaron arcos con la vara curvada hacia afuera en relación con el encerdado; mucho después de que fuera normal el arco curvado hacia adentro en el violín, la viola y el violonchelo. El arco antiguo sigue en uso junto a los arcos modernos desarrollados en el siglo XIX. Entre los virtuosos del contrabajo debemos incluir al italiano Domenico Dragonetti, autor de conciertos, sonatas y diversas reducciones para el instrumento, Giovanni Bottesini el virtuoso por excelencia del contrabajo, al director ruso Sergei Koussevitzky, que también ha escrito para contrabajo, y al contrabajista de jazz estadounidense, Charles Mingus.

[editar]Intérpretes


Contrabajo eléctrico

Contrabajo eléctrico Aria SWB 02/5.
El contrabajo eléctrico es una versión amplificada electrónicamente del contrabajo acústico, con un cuerpo de dimensiones mínimas que reduce considerablemente su peso y facilita el transporte del instrumento. Aunque mantiene muchas de las características técnicas del Contrabajo, el Contrabajo eléctrico ofrece, dadas las peculiaridades de su construcción y su naturaleza eléctrica, una gama de sonidos diversa a la del instrumento en que se basa, mientras que por sus características físicas permite al ejecutante una serie de técnicas que le estarían vedadas en el contrabajo tradicional.


Historia

Se atribuye la construcción del primer contrabajo eléctrico de la historia al ingeniero y luthier de la Gibson Lloyd Loar, a mediados de los años 20 del pasado siglo. En la siguiente década, una serie de compañías norteamericanas, entre las que cabe citar RegalVega y Rickenbacker ofrecían sus propios modelos de contrabajo eléctrico, sin excesiva fortuna, pues con la tecnología de amplificación de la época no era posible reproducir adecuadamente las bajas frecuencias especificas del instrumento. El instrumento ha debido pues esperar a un cierto desarrollo de la tecnología de amplificación para superar su condición de "rareza", pero dadas las ventajas obvias que ofrece, es hoy un instrumento perfectamente establecido dentro de la comunidad musical. Véase también: Historia del Bajo Eléctrico

[editar]Descripción

[editar]Longitud de escala y afinación

La longitud de escala del contrabajo eléctrico varia notablemente según el modelo, desde las 42 pulgadas del contrabajo hasta las 30 del bajo eléctrico de escala corta, que usan algunos instrumentos diseñados específicamente para hacer menos traumático a los bajistas eléctricos el paso al contrabajo. Del mismo modo la afinación es variable según el modelo y el número de cuerdas, pero lo más usual es encontrar contrabajos eléctricos de cuatro cuerdas con la afinación de contrabajo, esto es, Mi, La, Re, Sol.
La ausencia total o parcial de cuerpo en el contrabajo eléctrico permite el uso de una técnica de pulsación estándar también en el registro agudo del instrumento, al contrario de lo que ocurre en el contrabajo tradicional, que requiere la llamada "posición del pulgar".

[editar]Amplificación

El contrabajo eléctrico de cuerpo solido, como el bajo eléctrico produce una señal de salida muy débil que debe ser amplificada para poder ser percibida. Existen modelos de media caja que producen un sonido acústico suficiente para permitir el estudio, pero de volumen no comparable al contrabajo tradicional.
Para poder amplificar el sonido, la vibración de las cuerdas debe ser captada mediante pastillas magnéticas semejantes a las usadas en guitarras eléctricas, mediante pastillas piezoeléctricas situadas generalmente en el puente o bien mediante una combinación de ambas. Se pueden conseguir buenos resultados mediante el uso de micrófonos piezo eléctrico ubicados en el cuerpo, usualmente bajo las patas del puente, que combinan el sonido de la cuerda a través del puente y las madera del cuerpo, dando una sensación más natural de caja. Esta señal eléctrica es posteriormente preamplificada y filtrada para ser enviada por último al sistema de amplificación.

[editar]Tipos

NS Design Bass Cello.
Existen actualmente numerosas variedades de Contrabajo eléctrico. Algunos, por ejemplo, no permiten el uso del arco pues emplean un diapasón plano, propio del bajo eléctrico en lugar de uno curvado, propio del contrabajo. Según el número de cuerdas, podemos encontrar modelos de 4, 5, 6 o incluso más. Existen además en el mercado modelos sin cuerpo, con cuerpo solido (como el bajo eléctrico) o modelos semiacústicos con cuerpo de semicaja.

[editar]Técnicas de ejecución

El contrabajo eléctrico es ejecutado normalmente con la misma técnica que el contrabajo, si bien, normalmente el músico queda liberado de la necesidad de sostener el instrumento, pues la mayoría de los instrumentos integran un soporte de fijación al suelo. Existen modelos que permiten la fijación al cuerpo del músico mediante correas, a la manera del bajo eléctrico. El instrumento puede ser ejecutado ya sea de pie que sentado, y la altura óptima para la mayoría de las personas es la que nivela la posición del dedo índice del músico en primera posición (primer traste del bajo eléctrico) al ojo.
Las cuerdas son normalmente pulsadas según la técnica estándar del contrabajo, pero la mayoría de los contrabajos eléctricos eliminan la necesidad de usar la ""posición del pulgar" en la parte alta del diapasón, dada la ausencia total o parcial de cuerpo.

[editar]Similitudes con el Contrabajo

Puesto que el contrabajo eléctrico no posee caja de resonancia, o emplea una de dimensiones mínimas, es mucho menos proclive que el contrabajo a problemas de ""feedback" en la amplificación. Para permitir el uso del arco, tanto el diapasón como el puente del instrumento deben ser curvados. Dependiendo del modelo, la imitación del sonido del contrabajo acústico puede ser más o menos lograda, como se puede imitar con más o menos acierto el sonido del bajo eléctrico sin trastes. Dado que el sonido en el contrabajo eléctrico viene generado en las pastillas es normalmente mucho más brillante que el del contrabajo acústico. Del mismo modo, la cualidad de las maderas empleadas en la construcción de contrabajos eléctricos tienen una influencia decisivamente menor en su sonido final, respecto al contrabajo, donde el tipo y la calidad de las maderas determinan casi unívocamente el sonido del instrumento.









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