¿Que es un Pentagrama?

Vamos a averiguar que es un pentagrama, ya que es una parte fundamental de la musica y don wikipedia dice:

Pentagrama

 

El pentagrama (del griego: penta: cinco, grama: escribir) es el lugar donde se escriben las notas y todos los demás signos musicales. Tiene cinco líneas y cuatro espacios, que se enumeran de abajo hacia arriba. Las lineas son equidistantes y horizontales.

La música se escribe por medio de signos que se colocan en el pentagrama. Los signos principales son:

• Las figuras como representación de la nota musical: cada una de ellas indica duración de sonido y, situada específicamente en una de las líneas o de los espacios, corresponde a un tono musical determinado. La invención del pentagrama resolvió los problemas de representación gráfica del mismo.Cada vez que la melodía supera el ámbito de nueve tonos que cubre el pentagrama, se utilizan espacios y líneas adicionales, que se dibujan tanto encima como bajo el pentagrama, según sea necesario.
• Las claves
• Los silencios
• Las alteraciones

Aparte de las notas, en el pentagrama se ubica al principio la clave, los modificadores que indican la tonalidad usada (armadura), el compás y el carácter (afectuoso, marcial, etc.).

Historia

Guido de Arezzo fue el que puso el nombre a las notas.

En el ejemplo anterior, la clave usada es la de sol, que indica que la nota centrada en la segunda línea (contando de abajo hacia arriba) corresponde al sol₃ (cuatro teclas a la derecha del do central del piano). No hay alteraciones, así que se trata de la tonalidad de do mayor o la menor

El siguiente ejemplo es un gran pentagrama (usado, por ejemplo, en un piano). Cada pentagrama tiene siete notas y un silencio.

Aquí hay una imagen de ejemplo con notación musical habitual.

Notación musical habitual. El 4/4 significa 4 pulsos/compás a una velocidad de 4 veces/PPP establecida; la "o" del 3er espacio, redonda; el palo vertical,el cambio de compás ;lo de después son 2 blancas(2 pulsos/nota),si y do.Luego un cambio de compás a 2 pulsos/compás a la misma velocidad; mi' ,la ,2 semicorcheas compuesta de fa sostenido y mi bemol.

 

Veamos que es una figura musical:

Para la acepción del término nota que se refiere a un sonido, véase Nota musical.

Valor relativo de las notas, de arriba abajo: redonda, blanca, negra, corchea y semicorchea

En el ámbito de la música, una figura o nota es un signo que, colocado en un pentagrama con clave establecida, determina la altura y la duración de un sonido determinado.

Las figuras son siete y se denominan de la siguiente forma: redonda, blanca, negra, corchea, semicorchea, fusa y semifusa.

Unidad de duración 

La figura que representa la unidad de duración es la redonda. Una redonda equivale a dos blancas, cuatro negras, ocho corcheas o dieciséis semicorcheas.

Figuras simples y compuestas 

Las figuras (o valores) recién enumeradas son figuras simples; las figuras compuestas aquellas que están acompañadas de uno o más puntillos.

Los silencios también pueden llevar puntillo.

Relación entre las figuras por su valor 

Cada valor simple equivale a dos de su figura inmediata:

• Una redonda equivale a dos blancas.
• Una blanca equivale a dos negras.
• Una negra equivale a dos corcheas.
• Una corchea equivale a dos semicorcheas.
• Una semicorchea equivale a dos fusas.
• Una fusa equivale a dos semifusas.

Asimismo, podemos establecer otras relaciones en base a las recién mencionadas, por ejemplo: una redonda equivale a cuatro negras, una corchea equivale a ocho semifusas, etc.

En el caso de los valores compuestos, se utiliza el puntillo y cada uno equivale a tres de figura inmediata:

• Una redonda con puntillo equivale a tres blancas.
• Una blanca con puntillo equivale a tres negras.
• Una negra con puntillo equivale a tres corcheas.
• Una corchea con puntillo equivale a tres semicorcheas.
• Una semicorchea con puntillo equivale a tres fusas.
• Una fusa con puntillo equivale a tres semifusas.

Como antes se mencionó con los valores simples, también en los compuestos se pueden establecer otras relaciones teniendo como patrón a las recién mencionadas, por ejemplo: una redonda con puntillo equivale a seis negras.

Figuras obsoletas 

Para evitar una cantidad exagerada de tipos de figuras, las de mayor y menor duración fueron cayendo en desuso, debido a que su ejecución era demasiado complicada, casi no se usaban y pueden ser reemplazadas por otras figuras de menor valor aumentando el tiempo de la pieza.

La siguiente lista muestra las figuras en desuso y sus relaciones con la unidad de duración:

• Una máxima equivale a ocho redondas.
• Una longa equivale a cuatro redondas.
• Una cuadrada o breve equivale a dos redondas.
• Una garrapatea o cuartifusa equivale a un ciento veintiochoavos (1/128) de redonda.
• Una semigarrapatea equivale media garrapatea, es decir, a un doscientos cincuenta y seisavos (1/256) de redonda.

Melodía

Una melodía es una sucesión coherente de sonidos y silencios que se desenvuelve en una secuencia lineal y que tiene una identidad y significado propio dentro de un entorno sonoro particular. La melodía parte de una base conceptualmente horizontal, con eventos sucesivos en el tiempo y no vertical, como sería en un acorde donde los sonidos son simultáneos. Sin embargo, dicha sucesión puede contener cierto tipo de cambios y aún ser percibida como una sola entidad. Concretamente, incluye cambios de alturas y duraciones, y en general incluye patrones interactivos de cambio y calidad. La palabra llego al castellano proveniente del bajo latín "melodia", que a su vez proviene del griego "moloidia" ([canto], canto coral), formada por "melos" (canción, tonada, música, miembro de una tonada) y el griego "oidía" (canto), de aeídein (canción).

Concepto 

El concepto de melodía es uno de los más complejos de definir para la teoría musical, porque se hace necesario poner en palabras lo que de manera descriptiva sería más simple y comprensible.

Bibliografía 

• La Melodía, Ernst Toch. Labor. Barcelona, 1931.

• Clave (música)

  
  
  

  

  Mano guidoniana, Mantua, siglo XV. Las claves están a la izquierda de las líneas
  La clave es un símbolo usado en notación musical, cuya función es asociar las notas musicales con las líneas o espacios del pentagrama. Una clave asocia una nota en concreto con una línea del pentagrama, de manera que a las notas siguientes les corresponderán los espacios y líneas adyacentes.
  Existen tres símbolos distintos para representar a las distintas claves, la clave de sol, la clave de fa y la clave de do, que llevan el nombre de la nota que designan a una línea de los pentagramas. Es obligatoria su colocación al principio de cada pauta, pero puede cambiarse durante el transcurso de la obra en cualquier momento, si se requiere.
  

  Función de las claves 

  Estas tres claves designan sonidos distintos sobre el pentagrama: la clave de fa asocia a una línea del pentagrama el fa₃, la clave de sol asocia el sol₄, y la clave de do asocia el do₄ (siendo éste, por convención, el do central del piano). De esta manera, se usa una u otra clave para determinar distintas tesituras. Si un instrumento tiene una tesitura fafafa cinco del pentagrama, pero mucho más cortas, para seguir el esquema de líneas y espacios en la partitura y que el instrumentista pueda reconocer la nota que se representa. Pero si se añaden muchas de estas líneas adicionales, se pierde la perspectiva y resulta muy complicado leerlo, y en otros casos, simplemente no hay espacio físico entre un pentagrama y el inferior o superior).
  
  En teoría, al tener tres símbolos de tres claves distintas, y cinco líneas en el pentagrama, se podrían disponer de 15 posibilidades distintas de colocación de las claves, y por lo tanto, 15 posibilidades distintas de colocar cada sonido sobre el pentagrama. Pero en el pasado solamente se utilizaron siete de estas posibilidades: una para la clave de sol, dos para la clave de fa, y cuatro para la clave de do. Al conjunto de las tres claves y de estas siete posiciones se le denomina septiclavio.
  

  Origen e historia

  En su origen, la grafía del símbolo de cada clave se deriva del nombre de la misma según el sistema de notación musical anglosajón, que nombra a sus notas, y por extensión a sus claves, con letras en vez de con nombres (A en lugar de la, B en lugar de si, etc.). De manera que según este sistema, la clave de sol sería la clave de G, la clave de fa sería la clave de F, y la clave de do sería la clave de C. La G, la F y la C se usarían en su día para simbolizar las claves, y la actual grafía sería una versión transformada de estas letras. Este hecho, se asocia a un monje benedictino italiano, Guido D'Arezzo, que fue el creador de la notación musical, y el que puso las bases para el sistema musical que conocemos en la actualidad, aunque con anterioridad ya hubo otro intento de notación, propuesto por Hucbaldo.
  
  

  

  Posible evolución de la clave de sol
  En un principio, la música se transmitía de manera oral, pero llegó un momento en el que vio la necesidad de crear un sistema de notación para poder recordarla y transmitirla. Aunque al principio estos sistemas de notación eran bastante primitivos y solo marcaban la dirección de la voz, si el sonido era o no ascendente, este sistema se fue complicando. Uno de los principales problemas era nombrar a los sonidos que se cantaban, y poder representarlos por escrito, de manera que la clave fue uno de los primeros signos musicales en aparecer.
  
  En los siglos XI y XII, ya se usaban claves, que se ponían al inicio de los tetragramas, ya que solo tenían cuatro líneas, y asignaban líneas a las notas. En el canto gregoriano había en un principio dos claves, la de do y la de fa, que se podían situar en distintas líneas, en la segunda, tercera y cuarta del tetragrama. Se utilizaron también para marcar las tesituras en las que cantaban las diferentes voces cuando se empezó a usar un sistema musical polifónico. La más antigua clave de do tenía forma de pequeña C, mientras que la clave de fa tenía forma de F, pero formada con tres pequeños cuadrados negros. Posteriormente se les unió la clave de sol.
  
  La grafía de las claves fue modificándose, a lo largo de toda la Edad Media y Renacimiento, pero sobre todo es a partir del año 1600, con el inicio del Barroco cuando cambia, y se comienza a usar la misma simbología que usamos para representar las claves actuales, como se puede apreciar en las partituras de la época que han sobrevivido hasta ahora.
  

  Clave de sol

  

  

  Clave de sol
  

  

  Nombre de los espacios en clave de sol
  
  El símbolo usado para representar esta clave se basa en un espiral parecido a una G, unida a una especie de S. La clave de sol en la notación musical moderna se coloca en la segunda línea del pentagrama empezando por la de abajo, y esa colocación se guía por el inicio de la espiral que la forma. Durante el Barroco se la conocía como clave italiana. También se la denominaba “clave de violín” (puesto que las partituras para este instrumento se escriben en esta clave) o “clave de G” (utilizando la notación musical anglosajona). En inglés se denomina treble clef (‘clave para agudos’) y a veces “clave francesa”.
  
  

  

  Nombre de las líneas en clave de sol
  Esta clave se encarga de situar al sol₄ (sol₃ en la notación franco-belga, y sol₅ en la notación de Riemann) en la segunda línea, lo que quiere decir que el resto de las notas que estén escritas sobre la partitura se nombran a partir de esa. Es la clave que da la posibilidad de representar sonidos agudos, de manera que es la que usan los instrumentos con tesituras más altas. Sobre todo la usan los instrumentos de viento de madera, el violín, algunos instrumentos de percusión, y la mano derecha del piano (a diferencia de la mano izquierda, que lee en clave de fa, y también en clave de sol). En la música vocal, tanto la voz soprano como la contralto, están escritas igualmente en esta clave si bien, en sus orígenes, esto no era así ya que cada una tenía una clave propia. La clave de sol es la más usada en la actualidad.
  
  Durante el siglo XVII y el siglo XVIII, era costumbre escribir la música para violín o flauta, sobre todo la publicada en Francia, en una clave de sol en la primera línea, ya que daba la posibilidad de representar en el pentagrama sonidos un poco más agudos.
  

  Clave de fa 

  

  

  Clave de fa en cuarta
  Cada uno puede hacer la clave de Fa como quiera, ya que no tiene un sitio determinado. La clave de fa se ha representado con dos símbolos distintos, aunque uno de ellos en la actualidad está en desuso. Ambos símbolos provenían de una versión estilizada de la letra F, que en la notación musical anglosajona simboliza a la nota fa. Esta clave sitúa a la nota fa₃ (fa₂ según la notación frannco-belga y fa₄ según la notación de Riemann) sobre el pentagrama, y tiene dos posiciones distintas sobre el mismo, o bien sobre la tercera línea, o bien sobre la cuarta línea. Su situación sobre una o sobre otra línea lo marcan dos pequeños puntos, uno encima del otro, que se colocan a la derecha de la clave y delimitando la línea a la que se refiere.
  

  Clave de fa en cuarta 

  La clave de fa que se sitúa en la cuarta línea del pentagrama, se denomina clave de fa en cuarta y hace más tiempo se denominaba también clave de bajo, ya que para la música vocal la partitura de los bajos estaba escrita en esta clave. Es la clave en uso que permite escribir sobre el pentagrama sonidos más graves. En la actualidad, la usan sobre todo los bajos de la cuerda frotada, como el violonchelo y el contrabajo, y los instrumentos más graves de la familia del viento metal, como por ejemplo la tuba o el trombón.También usada en percusión (redoblante, timbales, platillos, bombo, caja, etc). También se usa para la mano izquierda del piano, que da sonidos más graves que la mano derecha, que se escribe en clave de sol.
  

  Clave de fa en tercera 

  La clave de fa que se sitúa en la tercera línea del pentagrama se denomina clave de fa en tercera. Se utilizaba como clave de transición para instrumentos de tesituras graves. Una denominación más antigua era clave de barítono, ya que en la música vocal, las partituras escritas para estos cantantes se escribía en esta clave. Se usa muy poco, o casi nada.
  

  Clave de fa en quinta 

  En alguna ocasión se ha usado la clave de fa situada en la quinta línea del pentagrama, como el caso del compositor Heinrich Schütz, pero en la actualidad no se utiliza. Daría el mismo nombre a las notas que la clave de sol en segunda línea, pero la tesitura sería dos octavas más grave. Es la clave que proporciona la tesitura más grave de todas las posibles combinaciones de claves en el pentagrama.
  

  Clave de do 

  

  

  Clave de do en tercera
  El símbolo que representa a la clave de do, está formada por dos C al revés, una encima de la otra. Esto es porque en la notación anglosajona, la C representa a la nota do, y además se encarga de asignar a las líneas del pentagrama la nota do₄(Do central). Esta clave tiene cuatro posiciones posibles, en la primera línea, en la segunda, en la tercera o en la cuarta, aunque las más utilizadas son las que se sitúan sobre la tercera o cuarta línea. Como generalidad, se usa para representar sonidos medios.
  

  Clave de do en tercera 

  La clave de do que se sitúa sobre la tercera línea del pentagrama, se denomina clave de do en tercera o clave de contralto, debido a que la música para contraltos se solía representar en esta clave. Se usa para la música para violas, a veces para trombones y para música vocal antigua.
  

  Clave de do en cuarta 

  

  

  Clave de do en cuarta
  La clave de do situada sobre la cuarta línea del pentagrama, se denomina clave de do en cuarta o clave de tenor. Esto se debe a que la música para tenor solía representarse en esta clave. Se usa para el fagot, como clave de transición para algunas notas agudas del violonchelo y para representar notas agudas del trombón. En ocasiones se puede ver todavía en partituras de música vocal antigua.
  

  Clave de do en primera (no usada) 

  La clave de do que se representa en la primera línea del pentagrama, siempre empezando a contar por abajo, se llama clave de do en primera o clave de soprano. En la actualidad no se utiliza, pero en otros tiempos se usaba sobre todo para representar la parte de soprano en las partituras vocales. Ahora se puede encontrar en textos antiguos, para algún fragmento cantado por sopranos.
  

  Clave de do en segunda 

  La clave de do situada en la segunda línea del pentagrama, se denomina clave de do en segunda, o también clave de mezzosoprano, debido a que se usaba esta clave para representar la música de las cantantes mezzosoprano. Apenas se usa, excepto para algunos fragmentos para evitar añadir muchas líneas adicionales en la música para mezzosoprano.
  

  Clave para percusión

  

  

  Clave de percusión
  La clave de percusión, a diferencia del resto de claves, no tiene el mismo significado que la de sol, la de fa ni la de do. Ésta, no coloca los sonidos entre las líneas y espacios, como hacían las otras, sino que es una convención para mostrar que lo que está escrito a continuación de ella en el pentagrama está dedicado a la percusión que no tiene ninguna afinación en concreto. A cada instrumento se le asigna una línea o un espacio distinto.
  
  Para partituras de instrumentos de percusión que sí emiten distintas notas, que tienen afinación, como por ejemplo los timbales, o los xilófonos, tienen partituras propias separadas de la de percusión, con las claves ya explicadas, como el resto de instrumentos.
  

  Clave para guitarra (TAB) 

  

  

  Ejemplo de tablatura para guitarra
  La música para guitarra o bajo, en muchas ocasiones no viene escrita en los pentagramas tradicionales, sino que viene escrita en tablaturas. Son como los pentagramas, pero suele tener seis o cuatro líneas, representando cada línea una cuerda. A diferencia de los pentagramas, no se representa la nota, sino la posición de los dedos sobre los trastes. Para indicar que es una tablatura y no un pentagrama, se indica con las letras TAB en sentido vertical al comienzo de la obra. Este TAB tendría el mismo significado que la clave de percusión.
  

  Clave de transposiciones de octava

  

  

  Rango de la guitarra, donde se ve la clave de sol con el 8
  

  

  Ejemplo de la notación 8va
  
  En ocasiones, las claves no representan el sonido real que interpreta un instrumento. Por ejemplo, el contrabajo, tiene sus partituras en clave de fa en cuarta, pero en realidad, los sonidos que emite no son los que están representados, sino que son una octava más grave. La guitarra, la flauta de pico alto, o en música vocal los tenores, están afinados una octava más grave de lo que indica la clave en la que están escritas sus partituras, en este caso,la clave de sol. En otros casos, ocurre al contrario, y el instrumento está afinado una octava más agudo de lo que indica su clave, como por ejemplo, la flauta píccolo, que tiene sus partituras escritas en clave de sol. A esto se le llama transposición de octava.
  
  Para señalar que el instrumento está emitiendo los sonidos con una octava de diferencia de lo escrito en la partitura, se añade un 8 pequeño a la parte inferior de la clave, en el caso de que sea una octava más grave, y un 8 en la parte superior de la misma en el caso de que sea una octava más agudo. También existe la posibilidad de añadir un 15, lo que significaría que habría dos octavas de diferencia, pero esto apenas se usa.
  
  En la mayoría de los casos, los editores no se suelen molestar en añadir el 8 a las claves de las partituras de estos instrumentos, ya que consideran que la diferencia de octavas está sobreentendida.
  
  Hay otros casos en los que se amplía la tesitura de una clave, añadiéndole en algún fragmento de la obra la notación de octava, 8va en el caso de que sea más aguda, y 8vb en el caso de que sea más grave, para evitar tener que cambiar de clave o añadir muchas líneas adicionales.
  

  Usos de las claves 

  

  

  Edición de fragmento de partitura de Bach, donde se aprecian claves similares a las actuales
  A pesar de existir tantas posibilidades distintas de claves y posiciones en el pentagrama, solamente se usan normalmente siete de estas posibilidades. Los criterios para usar una clave u otra son principalmente dos, que la tesitura del instrumento que lo va a interpretar se adecúe al rango de notas que impone la clave, y que sea lo más claro y simple posible, para facilitar la lectura de la partitura al músico.
  
  No se usa la clave de sol colocada en la tercera, cuarta o quinta línea, porque estaría dando las mismas notas que la clave de do en primera, la clave de do en segunda y la clave de do en tercera respectivamente. Son totalmente equivalentes, en cuanto al nombre de las notas y en cuanto a la tesitura. No tiene mucho sentido usar distintas claves para nombrar exactamente lo mismo. Si además tenemos en cuenta que las claves de do en primera y segunda línea son muy poco utilizadas, es muy innecesario usar más claves.
  
  No se usa la clave de fa en la primera o en la segunda línea, porque tienen equivalencia de nombre y tesitura con la clave de do en tercera y la clave de do en cuarta respectivamente, así que no es útil porque estas claves de do son bastante utilizadas.
  
  De entre las claves de do posibles, la que no se usa es la que está colocada en la quinta línea del pentagrama. Esto es porque tiene equivalencia de nombre y tesitura con la clave de fa en tercera. Si esta clave ya se usa poco, es innecesario crear más elementos para la notación.
  
  El que se usen unas claves y no otras, cuando comparten tesitura y designan los mismos nombres a las notas del pentagrama, es una cuestión de tradición, y de evolución de las primitivas claves que se usaban en los tetragramas durante la Edad Media.
  

  Claves en la partitura 

  

  

  Partitura del Cuarteto de cuerda n.º 2, op. 33, de Haydn
  Las claves se sitúan obligatoriamente al principio de la obra, al principio del pentagrama, y se tiene que colocar antes que la armadura y que el tempo del compás. También es necesario ponerlas en el primer compás de cada pentagrama, siempre delante de la armadura que también se debe colocar en el primer compás de todos los pentagramas, a lo largo de toda la obra, aunque algunos editores no lo hacen. Si es necesario cambiar la clave en medio de una partitura porque cambia la tesitura, es decir, se va a interpretar un fragmento más agudo o más grave que es complicado de representar debido a que se tendrían que añadir muchas líneas adicionales, se puede hacer sin problema, en cualquier compás, aunque no sea el primero del pentagrama, y en cualquier parte del mismo, no sólo al principio.
  
  

  

  Sonata n.º 23 para piano, Appassionata, de Beethoven
  En los instrumentos de gran registro, por ejemplo, las piezas para piano se escriben con dos pentagramas simultáneos, el de arriba en clave de sol, que se toca con la mano derecha y el de abajo, en clave de fa en cuarta, con la izquierda. Las claves en estos sistemas de pentagramas (un sistema es un grupo de pentagramas que se leen simultáneamente, y que vienen agrupados mediante unas llaves o corchetes) funcionan exactamente igual que si solo hubiera uno, cumpliéndose las normas generales ya descritas también para estas partituras. Aunque en el caso del piano, es muy raro que cambie la clave a lo largo de una obra.
  
  Cuando se escribe música para más de un instrumento (dúos, tríos, cuartetos, quintetos, orquestas de cámara, orquestas sinfónicas...), se suelen compilar todos los pentagramas de todos los instrumentos en una sola partitura, de manera vertical, y de las tesituras más agudas a las más graves. En las partituras orquestales se conservan los principios generales de colocación de las claves, no cambia absolutamente en nada, cada pentagrama de cada instrumento es independiente y está en su clave correspondiente. Estas partituras se usan como guías sobre todo para el director de orquesta. Las partituras específicas para cada instrumento se denominan particellas (italiano: partícula )^?.
  

  Claves en la música vocal 

  

  

  Música vocal representada en dos pentagramas
  Para las partituras de música vocal, normalmente se suelen representar en una misma partitura todas las voces, cada una en su pentagrama correspondiente, al igual que se hace en las particellas.Las voces que normalmente se representan en la música vocal polifónica son cuatro: soprano, contralto, tenor y bajo. Hasta hace un siglo, las claves que se usaban para cada voz eran distintas a las que se usan de manera general en la actualidad. La voz de soprano era representada en clave de do en primera, de ahí que se le denomine también clave de soprano. La voz de contralto, era representada en clave de do en tercera, de ahí que también se le llame clave de contralto. La voz de tenor, era representada en clave de do en cuarta, y por eso se le llama también clave de tenor. Y por último, la voz del bajo estaba escrita en clave de fa en cuarta. Por eso se le llama también clave de bajo.
  
  En la actualidad, estas claves se han dejado de usar generalmente para la mayoría de estas voces, excepto para algunos fragmentos. Para las voces de soprano y contralto se usa la clave de sol, para tenor se suele usar la clave de sol, aunque como su tesitura es una octava más grave, se suele añadir un pequeño 8 en la parte inferior de la clave. El bajo mantiene su antigua representación en la clave de fa en cuarta.
  
  En algunos casos, se puede representar estas partituras de música vocal en dos pentagramas en vez de en cuatro. En el pentagrama superior, en clave de sol, se representan las voces de soprano y contralto, y en el pentagrama inferior, en clave de fa en cuarta se representan las voces de tenor y de bajo.
  
      

Silencio (música)

Silencio es el signo que se utiliza en música parapenetrar medir la duración de una pausa. Cada figura musical tiene su silencio, y el valor de éste está en correspondencia con la que representa. Se puede considerar que el silencio es una nota que no se ejecuta. El silencio tiene dos funciones: La primera es separar las frases musicales, y la segunda es dar tiempo de descanso (y de respiración, en el caso de cantantes e instrumentos de viento) al intérprete.

Relación entre las notas y sus silencios 

La relación entre las notas y sus silencios respectivos es la misma que corresponde a sus duraciones temporales. Los tipos de silencios empleados, en similitud con la figuras musicales, son los siguientes:

• Silencio de Redonda
• Silencio de Blanca
• Silencio de Negra
• Silencio de Corchea
• Silencio de Semicorchea
• Silencio de Fusa
• Silencio de Semifusa

La ilustración que sigue, representa las figuras de silencios musicales empleadas en la actualidad.

Alteración (música)

Becuadro.	Bemol.	Sostenido.
	Doble bemol.	Doble sostenido.

En el ámbito de la música, las alteraciones son los signos que modifican la entonación (o altura) de los sonidos naturales y alterados. Las alteraciones más utilizadas son el sostenido, el doble sostenido, el bemol, el doble bemol y el becuadro.

Las alteraciones y sus efectos

• El bemol: baja el sonido un semitono cromático y se presenta con el signo ♭.
• El sostenido: sube el sonido un semitono cromático y se representa con el signo ♯.
• El doble bemol: baja el sonido dos semitonos cromáticos y se representa con el signo .
• El doble sostenido: sube el sonido dos semitonos cromáticos y suele representarse con el símbolo .
• El becuadro: cancela el efecto a las demás alteraciones. Se representa con el signo ♮.

Otras alteraciones 

Medio bemol.	Medio sostenido.
Bemol y medio.	Sostenido y medio.

En algunos sistemas musicales poco utilizados, también se usan el medio sostenido, el medio bemol, el sostenido y medio y el bemol y medio.

También, antiguamente era utilizado el doble becuadro, pero ha caído en desuso.

Clasificación de las alteraciones 

Alteraciones simples y dobles 

Las alteraciones pueden clasificarse en simples y dobles.

• Las alteraciones simples son aquellas que suben o bajan un sonido un semitono cromático. Son el sostenido y el bemol.
• Las alteraciones dobles son aquellas que suben o bajan un sonido dos semitonos cromáticos. Son el doble sostenido y el doble bemol.

Cabe advertir que, al igual que el doble becuadro, los sostenidos y bemoles dobles, por ilógicos, resultan irrelevantes en su uso moderno.

Alteraciones propias, accidentales y de precaución 

En otro tipo de clasificación, las alteraciones pueden ser propias, accidentales y de precaución.

• Las alteraciones propias son aquellas que se colocan al principio de cada pentagrama, después de la clave y antes del indicador del compás, y alteran todos los sonidos del mismo nombre que se hallan en una pieza de música definiendo asi la tonalidad. A este grupo de alteraciones también se les llama armadura.
• Las alteraciones accidentales son aquellas que se colocan a la izquierda de una figura y alteran a todos los sonidos de igual nombre y entonación del compás en el cual se encuentra.
• Las alteraciones de precaución son aquellas que, si bien son innecesarias, se colocan para evitar errores de lectura.

Alteraciones ascendentes y descendentes

• Las alteraciones ascendentes son aquellas que suben un sonido uno o más semitonos cromáticos. Son el sostenido y el doble sostenido.
• Las alteraciones descendentes son aquellas que bajan un sonido uno o más semitonos cromáticos. Son el bemol y el doble bemol.
• La única alteración que puede ser tanto ascendente como descendente es el becuadro.

Notación, lectura y solfeo de las alteraciones

En la escritura, las alteraciones accidentales se colocan a la izquierda del óvalo de la figura que representa el sonido que se altera. En cambio, en la lectura, la alteración debe decirse después del nombre del sonido, por ejemplo: do sostenido. En el solfeo, las alteraciones no deben ser pronunciadas.

Guido de Arezzo

Guido Aretinus
Estatua de Vitus Arretinus (Guido d'Arezzo) en su localidad natal.
Nacimiento	990 Arezzo, Toscana
Fallecimiento	1050

Guido de Arezzo o Guido Aretino (Guido d’Arezzo, en italiano) fue un monje benedictino, teórico musical, figura central de la música de la Edad Media junto con Hucbaldo (840 - c. 930).

Nació en Arezzo (Toscana) el año 990. Falleció en Avellano el año 1050. También era conocido como Güido Aretinus o Güido Mónaco (el monje Guido).

Perfeccionó la escritura musical con la implementación definitiva de líneas horizontales que fijaron alturas de sonido, cercano a nuestro sistema actual y acabando con la notación neumática. Finalmente, después de ensayar varios sistemas de líneas horizontales se impuso el pentagrama griego: cinco líneas. Su obra Micrologus fue el segundo tratado sobre música con mayor difusión en la Edad Media tras las obras de Boecio. Los estudiosos datan su Micrologus en 1025 o 1026.

Abadía de Pomposa

Pasó sus primeros años de estudio en la abadía de Pomposa, en la costa adriática, cerca de Ferrara. Ingresó como maestro en la escuela catedralicia de Arezzo, donde sobresalió en la enseñanza del arte vocal y escribió su tratado principal, el Micrologus de disciplina artis musicae. Durante su estancia se percató de la dificultad de los cantantes para recordar los cantos gregorianos, e inventó un método para enseñar a los cantantes a aprender los cantos en poco tiempo. Este método pronto se hizo famoso en todo el norte de Italia. Sin embargo, la hostilidad de los monjes del monasterio le obligaron a marcharse a Arezzo, ciudad que no contaba con abadía, pero que tenía un numeroso grupo de cantantes con falta de aprendizaje.

En su estancia en Arezzo, desarrolló nuevas técnicas de enseñanza, incluyendo el tetragramapentagrama, y la escala diatónica. (pauta musical de cuatro líneas), precursor del

Guido de Arezzo es también el responsable de los nombres de las notas musicales. En la Edad Media, las notas se denominaban por medio de las primeras letras del alfabeto: A, B, C, D, E, F, G (comenzando por la actual nota la).

En aquella época solía cantarse un himno a san Juan el Bautista —conocido como Ut queant laxis— atribuido a Pablo el Diácono, que tenía la particularidad de que cada frase musical empezaba con una nota superior a la que antecedía.

Guido tuvo la idea de emplear la primera sílaba de cada frase para identificar las notas que con ellas se entonaban. El texto en latín de este himno rezaba así:

El himno a san Juan Bautista

Ut queant laxis,

Resonare fibbris,

Mira gestorum,

Fámuli tuorum,

Solve polluti,

Labii reatum,

Sancte Ioannes.

Guido de Arezzo

Guido de Arezzo denominó a este sistema de entonación solmisación (en latín, solmisatio), y más tarde se le denominó solfeo. Posteriormente, en el siglo XVII, Giovanni Battista Donisiglo XVI, fue introducida por Anselmo de Flandes la séptima nota, que recibió el nombre de SI (de Sancte Ioannes). Los países donde no llegaron los músicos latinos siguieron con el antiguo sistema de las letras del alfabeto, tal es el caso de los países anglosajones, Alemania, los países escandinavos, etc. Probablemente, este método está basado en su trabajo en Pomposa, pero el antifonario que escribió allí no se conserva. Sin embargo, el Micrologus, escrito en la catedral de Arezzo, contiene el método de enseñanza que desarrolló. A Guido también se le atribuye la invención de la mano guidoniana. sustituyó la nota UT por DO, pues esta sílaba, por terminar en vocal, se adaptaba mejor al canto. También mucho más tarde, a finales del

El papa Juan XIX invitó a Guido a Roma. Posiblemente fue en 1028, pero pronto tuvo que volver a Arezzo debido a problemas de salud. No se tienen datos posteriores, excepto que el antifonario perdido posiblemente se terminó en 1030.

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